展览回顾
2010-03

日常

2010-03-17~2010-04-18

D DAY日常 设计的日常D DAY或“日常”设计展于2010年3月17下午15点,在中央美术学院美术馆2层A展厅展出,至4月18日结束。这是一个突然发生的展览,它源于对一个转瞬即逝时机的即时性反应。与设计工作的性质吻合,这种动态地对现实作出的敏捷反应,让D DAY成为了一个批判性、预见性与实验性的设计事件。D DAY展览试图将隐匿于设计作品背后的设计过程与工作方法,甚至是设计师的设计日常与工作形态,都直接推向公众。四个参展工作室在他们日常设计项目或研究项目中的进展将成为展品,从而让现场成为了展示设想、会议、草图、争论的空间。参展工作室每天提交工作进度文件包,包括日志、文本、草图、照片、样稿等一切过程资料,由助理在现场每天即时收集、打印并在墙面上张贴与更新,成为不断生长的日志与档案。也就是说,展览现场与设计项目的发展是同步的。展览期间在现场每周还将安排一次设计师们出现的“D TALK”讨论会。这是一个从来没有过的、基于时间线索不断变化的设计展览,而展览真正的高潮,也就是闭幕式,将在2010年4月18日展览结束时出现。   前言D DAY可以理解为Daily Design“日常设计”,也可以理解为Design Day“设计日”,作为观众,今天是您的设计日,您将参与设计师的日常设计工作。我们每天的生活都在被设计师设计着,眼前充斥着设计师设计的印刷品、网页、电子读物,身边是设计师设计的空间环境,用着的是设计师设计的物品。设计改变着我们的生活形态,设计影响着我们对事物的认识,我们被设计师设计着。但设计师如何工作,设计师与客户 、用户如何沟通,创意是如何产生的,设计最终是如何实现的,隐藏在设计作品背后的设计思维与设计过程,大众所知并不多。通过这个展览,观众可以参与,见证正在发生的,进行的设计过程,四个当今引领中国平面设计的有代表性的设计工作室每天将他们的设计内幕展示给观众,让大众了解设计的内在因素,让同行受到启发,让我们不再简单的被设计。D-DAY常用来指诺曼地登陆的日子,是牺牲、残酷、灾难、胜利与成功的象征,希望观众从这个独特的展览中看到的是设计过程的挑战、艰辛,烦恼与愉悦。王敏   参展团体:王序设计、OMD当代设计中心、吐毛球设计工作室(广煜、刘治治)、韩家英设计顾问:徐冰、王敏策展人:王璜生、王序、蒋华主办:中央美术学院美术馆、中央美术学院设计学院展览设计:王序设计地址:中央美术学院美术馆时间:2010年3月17日-4月17日$Page$   参展工作室: 王序设计  王序设计创建于1995年,总部位于广州,2009年在北京开设分公司。广州与北京公司分别设在南北两个城市的美术馆内。王序设计没有定位、没有固定的模式、没有风格、没有常规、也没有疆界的。独特的模式影响着我们的设计思维和项目操作,也形成了我们与众不同的设计之路。公司的价值观与信念是原创,信奉原创是生命活力的体现,是设计新鲜度的保证。在实践中坚持从二维、三维到多维的跨界、跨学科的思考,在设计之上看设计,将设计概念发散性地渗透于项目的实施中,使一切皆有可能。公司经历了十几年的设计实践,拥有跨学科、跨地域合作的优势资源。凭着非单一的思维与非常规的操作模式,在品牌命名、品牌形象、品牌传递、动态平面、环境(空间)平面、展览策划/设计、书籍出版/设计、艺术商品开发等领域中,为众多客户提供了专业的服务。 吐毛球设计工作室  吐毛球是一间在北京的平面设计工作室,成员包括广煜与刘治治。奇怪的名字是由于工作室里有一只非常像“主人”的野猫,它很不健康,从来没有吐过一次毛球。工作室的英文名字是“to meet you”, 大概就是见到你之后,有一种非常说不出来的感觉吧,我们希望自己的工作能给大家带来更多有趣的感受。 OMD当代设计中心 OMD当代设计中心在2007年由蒋华与李德庚共同创立,是一个连接策展、出版、设计和研究的工作平台与协作网络,拥有开放的工作边界与不限定的协作领域,寻求一切的可能性来为当下的设计拓展更大的社会能量。OMD试图主动介入社会生产的诸多层面,并寻求在各种新的领域与节点中发挥设计的作用及探讨设计的意义,以多重身份致力于当代设计研究、实践与推广。作为设计师、研究者与写作者,他们编辑了一系列有影响的设计书籍,并推进着若干设计研究项目。作为策展人,他们参与了 “社会能量——当代荷兰交流设计”、“POST__”当代国际海报回顾、“在中国设计”、宁波国际海报双年展、“TYPOSTER100”、“No Paper”实验海报12人邀请展、“设计的立场──来自中荷建筑、服装、书籍与产品设计的八种态度”等重要设计事件。蒋华与李德庚分别执教于中央美术学院设计学院与清华大学美术学院。  韩家英设计 韩家英设计,以一贯的国际与文化视野的品牌规划传播解决方案,正在积极推动本土品牌的建立与成长。1993年成立至今,在创始人韩家英先生的持续推动下,已于深圳,北京,上海三地,形成跨地域的国际设计咨询与品牌顾问平台。面对当代国际品牌环境的变化趋势,不论在艺术范畴,亦或是商业领域,都已形成了一种难以重复的声音和当代立场。从品牌、传播、平面、产品、空间,再到设计教育新动向,以一种完全独立的品牌规划、设计直觉与当代思维触感,参与到世界文化恒久持续的环境变迁中。在多元文化加速交流的今天,已经被中国越来越多的人所接纳与理解,这就是我们不断前行的原动力。  ...更多

瑞士洛桑艺术设计大学(ECAL)奢侈品设计展

2010-03-05~2010-03-20

瑞士洛桑艺术设计大学(ECAL)奢侈品设计展展览时间:2010年03月05日至03月20日展览地点:中央美术学院美术馆1F主办单位:中央美术学院 瑞士驻华大使馆 承办单位:中央美术学院美术馆 讲座时间:2010年3月5日 4.00pm-5.30pm  讲座地点:中央美术学院美术馆国际会议厅讲座题目:成功者的故事——ECAl艺术与设计主讲人: 瑞士洛桑艺术设计大学(ECAL)校长Pierre Keller先生          工业设计系主任Alexis Georgacopoulos 瑞士的巧克力,手表等产品闻名全球,而瑞士产品的出色设计也是它们成功的一大原因。由瑞士驻华大使馆与中央美术学院共同主办的瑞士洛桑艺术设计大学(ECAl)奢侈品设计展于3月4日在中央美术学院美术馆正式登场,为您带来纯正专业的瑞士设计品。 此次参展的作品均为瑞士洛桑艺术设计大学(ECAL)的奢侈品设计专业硕士研究生的设计。此外,瑞士洛桑艺术设计大学(ECAL)的校长Pierre Keller先生与工业设计系主任Alexis Georgacopoulos先生还将到访中央美术学院和清华美术学院,并在两校举办两场“成功者的故事——瑞士洛桑艺术设计大学(ECAL)艺术与设计”讲座。 瑞士洛桑艺术设计大学(ECAL)校长Pierre Keller先生很高兴能够将此次奢侈品设计一年级硕士研究生的作品带到北京。此专业课程创立于2008年秋天。在蜚声世界的设计师 Edward Barber and Jay Osgerby, Ronan Bouroullec, BIG-GAME and Alexis Georgacopoulos等的教授之下,来自世界各地的学生们可以和爱彼(Audemars Piguet), 宇舶(Hublot), 雀巢(Nespresso),昆庭( Christofle), Tag Aviation航空公司以及威戈(Wenger)等众多国际品牌 密切合作,尽情创作。 此次北京展览系瑞士洛桑艺术设计大学(ECAL)全球巡展其中一站,在来到北京之前,展览已经分别在新加坡,上海等地展出。此次展出的作品相当出彩,有爱彼(Audemars Piguet)的组合首饰,宇舶(Hublot) Big Band系列手表, 雀巢(Nespresso)的器皿,昆庭(Christofle)的茶具,更有Tag Aviation航空公司的定制礼品。这些展品同时也是对近年来工业设计系与各大品牌的合作成果以及2008爱马仕大奖赛的精彩回顾。 借展览开幕之机, 校长Pierre Keller和工业设计系主任Alexis Georgacopoulos还到访了中央美术学院和清华美术学院两所国内顶尖艺术设计类高校,与两所高校的领导举行了会谈。Pierre Keller教授还分别在两所高校举行了“成功者的故事——ECAl艺术与设计”讲座,旨在促进中瑞两国在艺术和设计领域的交流。 此次展览于2010年3月5日至3月20日在中央美术学院美术馆展出。展览结束后,展品将返回瑞士,参加4月开始的米兰2010年国际家具展。这次展览得益于瑞士洛桑艺术设计大学(ECAL)与瑞士驻华大使馆,瑞士联邦政府科技文化中心的友好合作,并受惠于Lombard Odier Darier Hentsch私人银行的慷慨捐助。 ...更多
2009-12

中央美术学院素描60年

2009-12-28~2010-03-07

中央美术学院素描60年展览时间:2009年12月28日至2010年03月07日开幕时间:2009年12月28日15:00展览地点:中央美术学院美术馆2F、3F、4F主办单位:中央美术学院美术馆  展览总策划:徐冰                                                  分场主策划:第一部分:高天雄 第二部分:靳军 第三部分:殷双喜序素描就是素描,它就这么简单,所以它这么重要。 《中央美术学院素描60年》大展的目的,并非为推动学院素描问题的继续争论,从某种角度讲,是意在停止那种带有思维惯性和政治情绪化而又属于风格层面的讨论,从而以客观的、学术的态度来回看一下素描作为西方艺术的一种描绘方式,来到中国后,在我们这里发生了什么。在一个同样强大又截然不同的文化语境里,中国艺术界是如何对待它的;在我们多变的社会阶段中、在艺术教育和艺术创作的进展中,它起到了哪些作用,其结果又是怎样的;素描与中国传统绘画、设计、建筑、综合艺术等门类之间,是一种怎样的关系;在现今国际艺术格局中,我们在素描这个领域中,已经走到了哪里。为此,我们四处搜寻,把美院60年来的素描历史资料找出来,把好画找出来,也把各阶段具有代表性的主张找出来;摆出几代人探索的原貌,这有助于我们比照“不同”与“类似”之处,辨别出优秀作品及众多主张之间的共同点——这也许就是我们到什么时候也离不开的这门学科的核心部分。以此作为引子,再深入到对艺术本体的关注和实质部分的探究。 此展分为横向展开的三部分,而每一部分又作纵向陈述 第一部分,是以历年教员和学生有代表性的作品及主张为材料,对中央美院60年素描教学历史加以梳理,回看从徐悲鸿时代到苏联方法引入,到历次的调整变化,再到改革开放后的各阶段,我院素描学科进展过程的真实原貌和阶段性的认知盲点在哪里。 为了看清这些主张在素描实践及教学中的作用和结果,我们通过部分当事人对作品回顾的方式,再现教与学的“现场情境”,将主张与实践融在一起。随着对画面自身解读的引导,从中引出更多有关绘画本体的信息。 经历教与学之间微妙的碰撞,在对美院教师的教学思想与方式的描述中所呈现出来的,是一种真正被理解和消化后留下的结果。我们发现,中央美院的素描训练,留给学习者除造型的技能外,更深刻的部分似乎是教师的品格、对学术和事业的态度与方法。在教学中,通过对每一笔的处理,通过交换感受的点滴小事,使学习者从一个粗糙的人变为一个精致的人、一个训练有素、懂得工作方法的人,懂得在整体与局部的关系中明察秋毫的人。靳尚谊先生说过:“素描解决的是水平问题,而不是风格问题。”水平是什么?是从事任何领域者都必须具备的一种素质,一种穿透、容纳、消化各类艺术现象的能力以及执行的能力。而艺术家水平的提升,几乎是在对每一笔处理的思辨过程中所获得的,对艺术的理解、对手头能力的提升,而不是学会了挪用某种风格的技术。 第二部分,是关于“素描与创作思维”关系的考察。这部分展示了我院60年来部分创作以素描为主线的背景材料,揭示作品形成的思路历程。这些极富感染力并曾经给社会以广泛影响的作品,创作者是怎样提炼出有效的造型语言,又最终落实到画面上的。这里的每一个过程,都是视觉图式的发生个案,它们直接提示的是艺术的深度及绘画的本体部分——即艺术样式与艺术家所处时代之间关系的、处理技术的能力,而不是在风格、流派样式之间比较和争论的结果。这部分为我们提供了如何以艺术面对时代的经验,在来自于艺术内部与外部有限的“艺术”空间中,这些艺术家是如何将艺术推进到极致的。同时,这也涉及到绘画基础与个性表达这两者之间在相克相生的较量中,是如何统一的课题。 此部分提供了素描学科与社会及艺术个性多方关系思考的案例,与第一部分从不同角度,共同勾画出美院素描学科的厚度与风采。 第三部分,为三位艺术家的个案研究,这部分可作为前两部分的注释。在对素描教学及历史林林总总地加以清理之后,再以几位艺术家的线性经历来考察素描作为一种养料,在伴随艺术家成长过程中的作用,考察素描这件事与艺术家个体之间是什么关系。 雕塑家钱绍武先生在中央美院丰富的素描艺术中是个特别的现象。他对素描艺术的独特表述曾对全国产生过广泛影响。我们特别找到了在80年代中期,我院电教室制作的“钱绍武人体素描技法”录影带,以助了解其素描艺术和教学理念之精要。 油画家苏高礼先生的代表性在于,其艺术历程与美院历史共生的关系。从他考美院附中之前的素描,经过附中、美院本科、留苏学习、本院任教,以及文革期间下厂下乡的应对,直到改革开放后的作为,这样,一个国家的历史背景、一个教学体系的历史和一个人的艺术生涯,被素描的“痕迹”敏感地呈现出来。 对中年油画家刘小东老师绘画历程的分析,使我们看到,作为一个携带学院背景的人,他是如何在这样的基础上将这些“基因”衍生为鲜明个性的当代表达。他的艺术成果与学院训练之间应该说是一种积极的生发关系。 这三个个案,并非是对其成功度的表明,而是就其艺术经验对此展主题具有说明性的使用。 此展尝试以图文并叙的方式展开。从读画切入,依通识语言,让观者潜入“绘制此画时的”语境,并与这些作品的内幕相遇,而避免偏离绘画本体的教条化理论阐释,以致使论述无效的弊端。 我们也花时间对每件作品指导教师的确认和对体系的承接关系做了考据式的调查。这可以使人们看到,今天已成为备受敬仰的名家曾经在怎样的师承关系中,经历过怎样的滋养与磨练;看到一代代演变的逻辑——原型中之不一样;也使我们感受到一个学院学术的坚实来源。这,也可以让今天的学子们改变与成功者在心理上的距离。 另外,我们在院图书馆的协助下,整理出了我院教员发表和出版的有关素描的文论、专著和教材的目录,一并包括在此展及此书中。我们惊讶地发现,有这么多人为这件事倾注过心血。 为筹备此展,指导委员会和展览委员会曾进行过不下十次的工作会议。更确切地说,这些会议是对素描核心问题的辨识与讨论。与此同时,我们也做了大量的采访,也将这些采访进行整理和视频播放。这可以看作是现阶段中央美院艺术家们对素描学科认识的反映。 前不久荷兰阿尔特兹艺术大学教授来访,他们的目的是了解中国的艺术学院如何在发展新艺术、新学科的同时又保留了传统技法和手头能力,而这种经验在今天的世界艺术教育中是稀缺的。我说:“这本来是从你们那儿学来的,你们给丢了,我们还留着,而且已经成为我们艺术教育传统中的一部分。”西方当代艺术和艺术教育是按照“艺术史写作”的脉络展开的,有时过分注重对作品的解释而忽视了作品本身。事实上东西方的当代艺术教育各有所长和各自的误区。我们梳理自己的轨迹,既是帮助自己看到过去历史进程中的得失,也是获得思考未来发展的依据。真正当代的态度是不排斥任何有益的文化营养的。如何处理技能训练与当代的关系是观照当代问题不可缺失的部分,也是我们必须面对的课题,这也许是我们在将来可以给世界提供的经验。 在这里还需要说明的是,中央美院有关素描的史料,原来是如此之丰富和精采。虽然我们担负办展和图集编辑工作的团队成员,在征寻、整理材料上做了力所能及的努力,但由于历史久远和现实条件等种种原因,在全面性、史料分析和分量比重上,都难免有遗漏和不妥之处,有待指正和日后弥补。 感谢中央美院深厚的学术背景对我们的滋养。 感谢所有为此展览形成付出努力的团队及个人。 徐冰 二OO九年十二月末 ...更多

让我们荡起双桨——馆藏中央美术学院20世纪五十年代师生作品展

2009-12-28~2010-03-07

展览时间:2009年12月28日至2010年03月07日 ...更多

“精神与历程:中央美术学院素描60年全国巡回展”

2009-12-25~2010-03-07

“精神与历程:中央美术学院素描60年全国巡回展”   第一站  展览时间:2010-03-23 至 2010-04-22  展览地点:武汉美术馆第1、2、4、5、6、7号展厅  展览地址:湖北省武汉市中山大道保华街2号  第二站  展览时间:2010-04-29 至 2010-05-30  展览地点:广东美术馆第5、6、7、8、9、10、11、12号展厅  展览地址:广东广州市二沙岛烟雨路38号  第三站  展览时间:2010-07-23 至 2010-08-28  展览地点:上海虹桥当代艺术馆   上海苏俄造型艺术馆  展览地址:上海仙霞路650号       上海天山路356号  第四站  展览时间:2010-09-10 至 2010-10-10  展览地点:陕西美术博物馆  展览地址:西安市长安北路14号         相关动态  - 中央美术学院素描60年  新闻动态  - 教师节之际 央美素描60年全国巡回展登陆西安- “精神与历程:中央美术学院素描60年全国巡回展”在上海隆重开幕  - “精神与历程:中央美术学院素描60年全国巡回展”绽放广东美术馆   - “精神与历程:中央美术学院素描60年全国巡回展”武汉站隆重开幕   - “精神与历程:中央美术学院素描60年全国巡回展”正式启航   媒体报道  “精神与历程:中央美术学院素描60年全国巡回展”最新报道 ...更多
2009-11

景观•静观:中国当代摄影专题展

2009-11-20~2009-12-09

景观•静观:中国当代摄影专题展 展览时间:2009年11月20日至12月16日开幕时间:2009年11月20日16:00展览地点:中央美术学院美术馆2A主办单位:中央美术学院美术馆 研 讨 会:2009年11月22日14:30策 展 人:蔡萌 学术主持:王璜生 参展艺术家:吴印咸、渠岩、线云强、何崇岳、曾力、杨铁军、王川、姚璐、金江波、于洋、王婷梅 主题阐释:居伊•德波(Guy-Ernest Debord,1931—1994)曾在他的《景观社会》中提到:“在现代生产条件无所不在的社会,生活本身展现为景观(Spectacle,或称“奇观”)的庞大堆聚。直接存在的一切都转化为一个表象。” 虽然,德波的“景观”并非指的是具体的视觉景观,而是指某种处于无形状态中的权力意志通过媒体和传播幻化出来的视觉表象。但是,它的表象作为隐喻今天无时无刻不被影像和图像所包围的生活现实,其自身也无疑地体现出一种宏大感。而这种宏大感通过被艺术家对照片置入一种“仪式化”—“静观”的处理而外溢,展现出一种现实主义的宏大景观叙事图景。这种针对人工化景观现场所进行的特殊拍摄方式和摄影类型称为“景观摄影”。“景观摄影”是中国当代摄影中的转型现象。一,摄影概念认识的转型。艺术家和摄影家对过去长期所倾注的情感、精力、体力以及对摄影的意义和价值判断的强烈质疑,体现其在摄影观念、意识形态和主体认同方面的巨大转变。二,摄影类型样式的转型。这种转型在很大程度上受到来自西方当代摄影中“类型学摄影” 的影响和泊丁斯基(Edward Burtynsky 1955—)在中国拍摄的大量“人造景观”(Manufactured Landscapes) 摄影的压力。三,当代摄影自我完善的转型。与其说之前的所谓“观念摄影”中没有“摄影” ,纪实摄影中缺乏“观念” 的话,不如说在这种“景观摄影”的摄影类型里——既有摄影又有观念。可以说,“景观摄影”即对当代艺术内部提出问题,同时也对摄影内部提出问题。更重要的是,它还同时对社会提出问题。那么,“景观摄影”不仅构成了对作为当代艺术的所谓“观念摄影”的消解,也构成了对传统“纪实摄影”的消解。我们完全可将其看作一种建构在现实主义美学回归基础上的摄影观看方式的转型。无论我们将“景观摄影”视为当代艺术的社会学意义转向,还是看作传统纪实摄影出现的一个新的变体来考察,抑或是某种重返现实主义精神。当各种“问题意识”交织呈现在“景观摄影”的作品中时,从吴印咸的“北京饭店•1975”、“人民大会堂”(1981-1983)的“类型学摄影”意识碎片,到渠岩的“权力空间”和“信仰空间”中对当下中国底层权力机构和信仰场所的关心;从杨铁军的中国式“白宫”里,对诸多内地三线城市的“政绩工程”和“形象工程”的具有白宫风貌的政府大楼的批判性关注,到缪晓春对当下中国社会消费景观的宏大描述;从王婷梅对景观置入的一种个人化处理,到于洋对一种处于动态、移动日常公共空间的静观;甚至是从金江波对中国经济图景的结构性观察,到何崇岳对计划生育宣传墙及其口号、标语带有普查性的对视。艺术家和摄影师们用一双充满疑问、批判和挑剔的眼睛,透过镜头的凝视,寻找到各自关于中国社会转型中的带有符号化、标准和标题化的问题点,从而用一种田野考察的摄影方式体现出他们对中国当下经济转型和腾飞过程中所暴露出的社会问题,进而使具有指标意义和符号性内涵的建筑外观和空间场景暴露在一种长期持久地批判性关注和迷恋当中,同时,也显现在一种被艺术化了的图像模式当中。在我们看来,“景观摄影”这种介于“纪实摄影”与“观念摄影”之间的摄影类型已逐渐作为中国当代摄影实验的新热点而日益显现出来,并在最近几年内表现得异常活跃。与其说它是当代艺术对现实主义的一次回归,不如说是一种探讨本土当代艺术与现实关联在新维度上的重返;与其说这种回归和重返来自摄影本身,不如说是来自中国社会的巨大变革;与其说这是在不断利用摄影提供的观看方式调整对现实的观看,不如说这是源自摄影家和艺术家们道德和良心的自省。正是由于这种自省精神和因此带来的问题意识,让我们看到“景观摄影”正以一种“社会图像的表格”呈现着当代艺术对社会现实的重返。 ...更多
2009-10

文字 北京2009展

2009-10-24~2009-11-15

文字 北京2009展展览时间:2009年10月24日至11月15日开幕时间:2009年10月27日18:00展览地点:中央美术学院美术馆2A主办单位:中央美术学院 展览主题:文字设计,与新生之和 中国有称“字如其人”,书画界也倡导“笔墨当随时代”。与汉字的独创原理相结合,自古以来中国的“书写”已被赋予并成为中国广义精神文化的基本形态之一。从上古的篇章“书法”到宋元以来典籍版本的“活字印刷”到现代的“工业生产”到当代的知识“数字化传播”,汉字的应用面貌就历史阶段来说已经在技术和面貌上经历着巨大的跨越和改变,同样在世界范围内“文字应用”所呈现的面貌与方法也异彩纷呈。1928年德国著名设计家Jan Tschichold在其出版的《新文字设计》(New typography)里主张:(文字设计)与生活的统一:“部分属于并谐和于整体—对单一,部分与整体的任意的孤立对我们来说是再不可接受的了。文字设计也必须使其自身成为当下创意世界的一部分。”结合20世纪20年代欧洲大工业革命以及现代主义运动发展以来在生产、艺术等生活中所发生的重要革新,JanTschichold提出了“新文字”的现代设计原则以及文字与生活、文字与其他创意领域的因果互动关系,其论著在世界设计领域内都产生了重大的影响。近一个世纪过去了,此刻我们却同样感受到了21世纪信息化、数字化生活中新旧的交融。文字作为传统的信息交流方法,跨越了书籍、海报等传统媒介,急速地扩展到公共设计以及互动、影像等新媒介之中,无论是作为文本、符号还是图像。之前对汉字的传统书写之研讨已经居多,在工业和数字时代对汉字阅读文化和视觉文化的面貌产生如何的影响?生活的改变如何与汉字应用和设计产生的互动?作为世界上最古老、拥有世界最大人群使用的文字系统之一,我们希望,在与世界其他语言文化的艺术设计交流之中,汉字被激发出其视觉文化与表现的当代性,这也许是提升中国视觉文化质量的关键点之一。在设计作品及文本的展示之中,希望观者从宏观的设计时代行进以及微观的个人生活态度纵横两个纬度上去观察文字字体:设计师如何在设计潮流的行进中去寻求本人的角色感?设计师如何建立起了个人设计行为与生活秉性的某种链接?作品又是如何成为这种交叉或链接关系的综合反应和输出?作为设计师,作为旁观者,在人人来讨论设计的国际化、设计潮流的喧嚣中,我们很有兴趣去做相对内在或本质的探讨:在当下,在信息传递和交流的过程中文字所具有的“保守文化与试验先锋”的双重性格。bt’09展览将于2009年10月27日在中央美术学院美术馆开幕。邀请的中外设计师涵盖了新媒体、电影、互动、平面、编辑、试验设计等多项领域。 ...更多

二十世纪中国平面设计文献展

2009-10-24~2009-12-09

二十世纪中国平面设计文献展展览时间:2009年10月24日至12月09日开幕时间:2009年10月27日18:00展览地点:中央美术学院美术馆2B主办单位:中央美术学院 展览源起:为配合2009世界设计大会,向世界设计界展示中国20世纪平面设计发展历程,解释中国现代设计发展之文化逻辑,作为大会子项目,拟于大会期间在中央美术学院美术馆举办“20世纪中国平面设计文献展”展。 主题阐释:本展览将以中国20世纪招贴、杂志、报刊等平面设计实物为主轴,结合与平面设计相关的生活实物、个人资料、相关文献,形成对20世纪中国设计发展及社会生活形态较为完整的展示与解读;展出形式将包括实物展示、图片展示及视频展示;展品将以学术机构收藏、个人收藏及作者捐助为主;作为整个展览方案之有机组成部分,展览期间将结合本主题筹办邀请国内重要作者、研究学者、海外研究学者共同参加的专题学术研讨、出版学术研究文集及图录。 本展览将包括20世纪前期、中期、后期三个时间阶段;其中尤以“20世纪中期”,即1949—1979年中华人民共和国建国30年期间的“宣传画”为核心内容。“宣传画”在新中国建国之后相当长的时间内为最主要的平面设计传播媒介,同时也在新中国的美术创作和政治生活中地位独特,影响重大。作为当时最为常见、对于设计者而言也代表着最重要艺术成就的“宣传画”创作与发行,在相当长的时间内集聚着中国美术界、设计界的精华力量,这批作者以开拓者的勇气与社会主人公的精神积极参与新中国建设、投身新艺术形式的创造,在当时的社会政治条件及艺术氛围下,为形成具有中国气派、时代风格的美术作品与设计样式作出了成果显著的努力,它既是中国艺术家与设计师在中国社会背景及文脉之下集体创造的成果,同时也是20世纪世界多种平面设计风格与语言与中国设计语言对话的结果。这段历史值得关注,也值得置于世界现代设计20世纪发展框架下予以研究。在庆祝新中国建国60周年全面总结和认识改革开放30年来的设计成就的同时,不应忽略对此前30年的中国平面设计发展的历史脉络梳理和研究。而“宣传画”恰恰是一个非常好的切入点,我们希望通过这个展览,相对全面地展示20世纪中国平面设计发展的身身逻辑,研究中国社会变革与设计发展的互动关系;同时希望通过本次中外设计界和学术界的交流,能够在一个新的视点上,重新审视“20世纪中国平面设计”的历史地位、意义与价值。 ...更多

“方正奖”中文字体设计大赛获奖作品展

2009-10-24~2009-12-26

“方正奖”中文字体设计大赛获奖作品展前言 源远流长、博大精深的汉字不但孕育了华夏文明,而且促进了中华民族的文化发展。汉字以其独特的文化形态,彰显了东方精神,凸显了中国人的人文气质。作为汉字传统文化继承者、传播者和推动者,我们应当了解汉字的发展历程,研究汉字的文化起始,领导汉字的形态变革,是我们举办大赛的初衷。 随着我国综合国力的增强,文化实力的进一步提高,学习汉语的人数逐年扩大,无疑给汉字字体设计师带来新的机遇和挑战。在这样的背景下,汉字字体设计更需投入巨大的精力,也需要更多的设计师关注汉字字体设计问题,并付出自己的努力,共同推动汉字字体设计。由于汉字的复杂性,长期以来汉字字体设计仅为少数人的学问钻研,但随着数字化时代到来,越来越多的设计师,学生开始关心和热爱汉字设计,这极大地推动了汉字字体设计在现代语境下的发展。 方正奖中文字体设计大赛自2001年开赛以来,吸引了众多专业字体设计师和字体设计爱好者,他们的设计聚合为中国最有影响的汉字字体设计大赛。在2009北京世界设计大会召开期间,由中央美院和方正公司共同主办的“‘方正奖’中文字体设计大赛历届优秀作品展”无疑将促进我们与众多国内外设计师、设计教育家交流,增进国内设计院校间关于字体设计的学术沟通,推动中国字体设计的发展。 我坚信,通过我们的努力,汉字字体设计将为世界文化的进步与发展作出贡献! 王敏中央美术学院设计学院院长$Page$ 文字·新生——文字•北京2009展 前言 20世纪20年代欧洲大工业革命以及现代主义运动蓬勃发展,在生产、艺术创作等领域中所发生的重要革新,促使德国文字设计家扬·奇霍尔德于1928年出版其重要的著作《新文字设计》,提出了“新文字”的设计原则并由此在世界设计领域内产生了深远的影响:    (文字设计)与生活的统一:“部分属于并谐和于整体—对单一,部分与整体的任意的孤立对我们来说是再不可接受的了。文字设计也必须使其自身成为当下创意世界的一部分。”(加利福尼亚大学出版社,1998,第13页)     宏观来说,自古以来“书写”就被赋予了更为深远的精神文化内涵。在中国,从“书法碑刻”到“活字印刷”,再从“机械复制”到“数字传播”,汉字应用的技术和面貌上经历着巨大的跨越与改变,无论作为符号的表征还是形式的创造。生活的“日日新”使得信息的消费与文字的应用产生着互动。从置身于中国自我传统去理解或可以说也是“笔墨当代”—文字的数字化面貌也可以是对中国传统上广义“笔墨”概念的更新。在当代语境下文字的意义被重新关注,有人说设计师或许趋向成为视觉信息的写作者。     从微观上看,此次展览作品和文本展现了设计师所秉持的设计态度与设计作品的联接;主要以文字为介质的设计,可以使你近距离地体验设计师其个人的角色感—我们可以说是“字如其人”或“字如其事”—以文字为载体所传播出的设计师和信息本身的双重气质,而在那些倡导理性的设计师作品之中,文字应用又展现出了其科学与系统的一面。     “文字·新生”展汇集了中外80多位设计师的海报、编辑、电影、互动、实验等多项设计领域近500多个项目和作品。作为设计师,策展人,我们有兴趣去做相对内在的探寻:在信息交流的过程中,文字所具有的保守与实验、主观与客观的双重性格—借助于面向未来的设计责任感以及媒介传播的无缝链接。 文字北京09展组织委员会 联合策展团队:扬·凡·图恩(荷兰)、赫尔穆特·施密德(德国)、大卫·斯矛(美国), 胡达·史密舒真·阿比法耶 (黎巴嫩)、安尚秀(韩国)吕敬人、王敏、王序、何洁、黄克俭、王子源(中国) 策展执行总监:王子源 展览协调人:柏鸣、陈嵘、方宏章、李文龙、王捷 ...更多

碰撞——关于中国当代艺术试验的案例

2009-10-10~2009-10-20

碰撞——关于中国当代艺术试验的案例展览时间:2009年10月10日至10月20日开幕时间:2009年10月10日20:00主办单位:北京文化艺术基金会、华彬集团、中央美术学院美术馆承办单位:红星画廊展览地点:中央美术学院美术馆策展顾问:【澳】招思颖(Melissa Chiu)王璜生策 展 人:俞  可策展助理:韩  晶展览后援:王春辰 2009年10月10日,“全球艺术品收藏论坛”(包括闭门会议、公共论坛)与“碰撞——关于中国当代艺术实验的案例”这三位一体的活动将同时拉开帷幕。通过这次实验,旨在探索出中国当代艺术在与世界各国的交往中,存在的诸多可能性。从时间上看,中国当代艺术历程对这个世界和我们本身的影响显而易见。正是因为这样的原因,“全球艺术品收藏论坛”第一次走出西方文化中心——欧洲,于今年10月移址中国北京——在这样一个颇具实验意味的时间节点上,我们试图通过“碰撞”中的30个具有典型意义的艺术个案,来展示出这个占全球1/4人口国家的艺术家,是如何在一种不确定性中,明智地做出我们关于今天和明天的抉择。本次碰撞艺术展览的参展艺术家包括崔岫闻、丁乙、方力钧、冯梦波、谷文达、黄永砯、李山、刘小东、吕胜中、罗中立、缪晓春、邱志杰、尚扬、隋建国、汪建伟、王广义、王怀庆、王庆松、王易罡、徐冰、向京、严培明、杨福东、叶永青、展望、张大力、周铁海。因此,“碰撞”不仅仅是面对此次全球艺术品收藏论坛,它同样作用于艺术本体,也是对未来中国艺术发展的助推。但与此同时,我们也理想性地希望中国当代艺术从狭义的领域出走,与来自全球的艺术品收藏论坛在彼此的对应与选择中滋生出进一步互动的可能性。创办于2004年、以欧洲为中心的“全球艺术品收藏论坛”,已有5年的历史,它前瞻性的视野和决策性的引导力量赢得了广泛的尊重。其核心是具有高端性和私密性的“全球化背景下的艺术”高端论坛,又称“闭门会议”。它将邀请全球具有文化理想和行动力的美术馆负责人、博物馆馆长、策展人、批评家、收藏家、艺术基金会、艺术机构主席等权威人士,以及与艺术品流通、收藏有关的政府机构首脑共同参与。我们期望,在这样一个架构中来回避我们自己的一隅独行。如果我们真的能通过“全球艺术品收藏论坛”,与英国艺术基金会的总监Dame Liz Forgan、古根汉姆美术馆的策展人Alexandra Monroe、泰特美术馆收藏部主席Francis Morris、纽约亚洲艺术博物馆主任Melissa Chiu、MOMA国际收藏合作总裁Jay Levenson……等一系列与会和观展人士展开艺术对话,并促成进一步的互动,那么展览的意义也就凸现于此了。“碰撞——关于中国当代艺术实验的案例”,作为“全球艺术品收藏论坛”的特展,将与“闭门会议”同期举办。希望在此背景下,展示中国当代艺术正身处其中的现状。同时,以具有代表性的艺术个案,向西方及全球的艺术资深人士,呈现出中国当代艺术家及其创作的真实生态——这既是解除东西文化差异和艺术误读的契机,也为中国当代艺术进一步以整体形象进入世界主流收藏界和学术界视野,提供一种可能性。$Page$ 展览前言俞可中国当代艺术正在经历一个前所未有的特殊时期,资本的介入、强烈的民族意识、残存的意识形态、城市发展的喜悦与创伤,都从不同层面改变着艺术创作的固有观念。尽管,这一切并未促成中国当代艺术的根本性转变,但中国当代艺术还是或多或少地在一种新的社会背景中迸发出躁动与生机,在更加广泛的基础上模糊了精英文化与大众文化的等级关系,并从很大程度上吸引着人们的注意力,改变着人们对于艺术的认知,影响着人们对日常生活的判断或选择。2009年对于中国,对于整个世界,在艺术领域充满着诸多不确定性因素。艺术的功能、艺术的价值乃至人们对于艺术的解读、对于艺术的体验都相应地发生着转向。 一方面,中国艺术生态由于中产阶级的介入,不得不使艺术家开始一种新的自觉,与此同时,科技和资本的兴风作浪更进一步促进了艺术之间的交互、艺术与受众之间的互动、全球一体化文化的互联。就中国当代艺术的发展来看,无论之前经历的冷战时期的思想冲击,或是文化对意识形态的全面依赖,还是之后出现的现实主义以及由极端现实主义展开的或赞同或批判的文化语境,已经不再是当代中国这批成熟艺术家创作的主要文化标识,而全球化文化和消费文化的强调已经从更大的层面为艺术的外延提供了一个可能的空间,并以此来冲破过去的文化禁锢。 另一方面,中国当下的文化与社会关系日益密切,使得文化逐渐成为人们的生活方式,这里既包括了知识的,也包括了技能和物质的全部的生活方式。中国当代艺术再也不以说教的姿态,或者以自以为是的身份出场,而是以一种亲近的姿态来实现过去与现在、人与技术、艺术与生活之间的有效对接,即开放性的阐释方式和表达载体,来减少阅读当代艺术时所可能产生的歧义。由此,隐喻象征、媒介转换、哲学意味的视觉语汇再也不是人们想象中的巫术,它越来越开始强化我们自身与社会生活之间的有机联系,以至于更多关心艺术的公众能从过去极端方式的体验与阅读中,将艺术转化成为自己将要经历的旅程。这种艺术与生活方式的同行证明了一种文化最终形成的必由之路即接受与传播,正因如此,中国当代艺术也将获得更前卫的价值与意义。“碰撞”展览试图从具有代表性的艺术个案入手,以呈现当前中国艺术现状的方式,直面这场从思想观念、表现方式、价值判断到文化生产、文化传播、文化收藏的整体性格局变化。尽管展览中不免诸多遗憾,如个别重要艺术家的缺席,以及我们因自身局限而忽略了那些同样具有活力的艺术家,但我还是有理由相信在这个富有挑战的建筑里,呈现出的艺术现状正是中国艺术家在当前转型期中,所能进行的深度体验,所能产生的文化思考! 2009年9月 于北京   ...更多
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