近日“贫穷艺术”大师雅尼斯•库奈里斯中国首次个展在今日美术馆开幕，在这次名为“演译中国”的展览中，艺术家给观众呈现了他在中国的全新创作。库奈里斯国际艺术大师的地位为人称道，而“贫穷艺术”更是掀起热议。
值此之际，由中央美术学院美术馆主办的Italo Furlan先生“意大利贫穷艺术从60年代到今天”讲座于2011年12月2日14:00在中央美术学院设计学院红椅子报告厅举行。Italo Furlan先生为意大利帕多瓦大学艺术史教授、拜占庭艺术专家、批评家、当代艺术策展人、Ado Furlan 艺术基金会主席。中央美术学院美术馆馆长王璜生为本次活动在美院的举行进行了前期工作。讲座吸引了大批学子，报告厅现场座无虚席，讲座由北京大学艺术学院教授彭锋主持。
Italo Furlan先生讲述了意大利“贫穷艺术”的出现，介绍了“贫穷艺术”代表艺术家马里奥·梅尔茨Mario Merz, 米开朗基罗·皮斯特莱托Michelangelo Pistoletto, 简尼思·库耐利斯Jannis Kounellis, 基卢丽奥·包丽妮Giulio Paolini, 居斯帕·皮诺内Giuseppe Penone及他们的作品。
二战后，世界文化的中心由老牌的巴黎、柏林转移到了纽约，在这里全球政治社会新秩序正在形成，艺术家对于这个不断变化的新的世界体系满怀质疑，这也包括对艺术的重新定义。
正如马尔库塞、阿多诺、卢卡奇、福柯的著作中所提及的美学思想，这一时期的艺术形式受到毛泽东以及1968年法国五月风暴的巨大影响，艺术家们对各种艺术形式进行转变，包括歌剧、电影、诗歌等各个方面。
这个时期的众多新兴艺术家在自由平等的呼声下对艺术作品表现出强烈的突破意识。美国微小艺术、极简主义、激浪派、反形式化和地下文化艺术；法国新现实主义和形式主义艺术；英国大地艺术和观念艺术；奥地利行为艺术和德国博伊斯艺术；日本Gutaj组合等团体，往往倾向于反对制度化和框架化趋势，如波普艺术、欧普艺术、新形式艺术，相对于架上绘画而言已经超脱传统的艺术形式。
同一时期的艺术运动在意大利就是“贫穷艺术”，这股浪潮起始于上世纪的60年代。Italo Furlan先生选择了“贫穷艺术”五位“标志性”艺术家：Mario Merz, Michelangelo Pistoletto, Jannis Kounellis, Giulio Paolini, Giuseppe Penone。他们开启了意大利当代艺术风格及大众媒体的先锋。“贫穷艺术”的材料元素永远都不是单一的，是很多元素融合在一起的，用朴素的艺术语言创造独特的艺术作品。“贫穷艺术”放弃了传统的对主题重复性的风格，重新对艺术的本源‘创新’进行了诠释。他们强调艺术作品创作和思考的过程。
“贫穷艺术”的基本思想可以归结为“灵感、启示”，“贫穷艺术家”的诉求就是打破典型代表体系，冲出画框，去除表现主义的束缚，运用物质、空间与材料的关系，创造一个“自然的”状态。
马里奥·梅尔茨MARIO MERZ
1925年生于米兰，从1950年开始从事绘画。他利用细铜条捆扎来反对美国波普艺术，并利用霓虹灯来诠释视觉语言。欧洲的马克思主义对当时的贫穷艺术家影响非常大。
1992年Merz使用霓虹灯点亮了一系列数字和一个分支叠墙，数字对应的是数学家 Leonardo Fibonacci的数学概念，MERZ 认为Fibonacci的理论代表了大自然的变化和社会不断扩张的隐喻。重点在霓虹灯的文字或数字。数字计算进展，这是一个有趣的体现许多生命形式的作品，包括树叶、蜗牛壳、松果和爬行动物皮的增长模式的数学公式。该模式是在任何给定的数字是它前面的两个数字的总和的数字序列作为识别：1，1，2，3，5，8，等等，就是每个数字是前两个数字的总和，循环往复。依次连续闪动的霓虹灯，暗指物体之间能量的连续流动。
1968年Merz非常有代表性的装置“圆顶小屋”和冰屋，这是他小时的梦想，他父亲是个建筑师，他以建筑的原理利用一些石块组成了一个个圆形的石屋，石头这个媒介体现了原始自然地史前部落状况，冰屋象征游牧社会。放在当时的空间里，艺术家想表达一种空间的隐蔽性和流动性，原定上也保留了他一贯的霓虹灯字母的特点，用“岩石N号”来给每个石屋命名。作品圆形的构造在艺术家眼里有一种保护作用，相当于盔甲的功能。Merz十分喜爱这种社会的灵活性和易于适应环境的特色。他用在生活中能找到的材料，包括金属、玻璃、霓虹灯、石板、蜂蜡、泥土和木材等建造冰屋，这种使用了传统材料和自然材料的折衷主义的做法事实上强调了同一的传统文化与多元的现代文化的本质区别。
绝对的空间状态是这件作品的灵感，圆顶，用石头或玻璃，粘土和稻草覆盖加上外面的霓虹灯或金属变成一个小世界，有点像女人的子宫，也可以看做一个墓，意大利教堂建筑最出名的就是穹顶的出现，这作品几乎是宗教建筑穹顶一样的形状，把保护和冥想等宗教情怀用最原始的石头组合成作品展现，提醒城市和社会现实的人需要不论多么伟大一开始的根基都是很简单的，应该记住那些生活中最质朴的状态。
在绘画上，Merz的主题体现了异国情调的动物、生活和运动与史前或者说是原始状态的一些联系。
米开朗基罗·皮斯特莱托MICHELANGELO PISTOLETTO
1933年生于意大利比艾拉，生活工作于意大利都灵。十四岁跟随他的修复师父亲学习传统绘画技术。在初期他喜欢自画像的主题，他的绘画在表现空间和生存空间之间形成一种桥梁关系。例如1951年《从此诞生》，1962年《金自画像和银自画像》。
1962年，Pistoletto开始意识到特殊的绘画技法，他将摄影底片应用于光面的钢板上。如1966年在沃克艺术中心展出的装置《反射世界》。
有机玻璃或透明丙烯酸的一些技法创作于1964年。之后的作品开始涉及到像家具、风景、烧焦的玫瑰以及关于午餐的绘画。Pistoletto作品中的碎布代表边缘化的混乱和多功能性。
2009年威尼斯双年展的装置《二十二减二》 Pistoletto 打破框架和镀金大镜子，这个作品也可以看做是一项行为，完全相同的镜子被随意打碎，如同打破统一的规范。另一件作品《无穷的一立方米》是由六面镜子组成一个整体，彼此面对反射着，形成一个一立方米大小的灰白色立方体。在盒子的内部，张贴着对它的解释：这些镜子“永远处于无形的相互影响中。”事实上，我们不知道这是什么，因为看不见盒子内部。我们能做的最多是凝视其灰白的表面并加以联想。有趣的是这个毫无趣味的盒子的精确性，而非艺术性。很多时候我们是希望艺术史直观能见的，比如古典审美，但是我们忽视了身边最真实自然的原始的美，盒子内部所包含的无穷性就是不同的时刻不同光线所产生的独特视觉。
2003年第59届威尼斯双年展上，Pistoletto《爱的区别》获得金狮奖。装置外形是一个地中海形大镜板，周围是不同形状不同材质的椅子。这个概念是艺术家对于世界和平的展望，椅子代表不同的国家，包围着这片海域。他聚集艺术、政治等不同理念，希望碰撞出真正的火花。
2004年都灵大学授予Pistoletto政治社会荣誉学位，Pistoletto发明了“第三天堂”这个新的象征标志。
简尼思·库耐利斯JANNIS KOUNELLIS
出生于希腊，1956年移居罗马。罗马文明对他的影响极其大，在罗马这个以多重历史、文化交叠而闻名的古都里，Kounellis尝试摒弃一切创造新的艺术。
1959年，23岁的Kounellis开始在帆布上绘制黑白两色的画，多以数字、箭头的形式出现。1967年Kounellis开始用生活中的常见器物进行无主题创作。
Kounellis的展览，例如在1969年的罗马阁楼画廊的活马展览，可以称之为“独幕”，想法来自于空间和时间的统一。作品严格拒绝重复以往的艺术特征。
Kounellis解释：那些马被放置于同一个空间，而正是因为这特定的空间它们的区别才格外明显，一个可以存活着的媒介物。这个有所界定的空间即是它们接触到的被规划了具体周长的空间。此外，干预应是一个城市层面自然特性的回归和反馈。
1974年Kounellis在威尼斯双年展上展出的作品《驳船》，他曾使用过的材料有煤炭、钢铁、木材、咖啡、金属、消防器械等。
被标榜“贫穷艺术”典型特征的作品《死者的苏醒》，地板上散落的黑色污点，卡拉瓦乔式戏剧化构景所体现出的神秘感深深植根在他的意识中，而这种神秘感往往是不清晰也不可解释的。因此，Kounellis将之定义为“不对称”性，例如Pmodoro基金会实现迷宫中所使用的不对称，将对称性的传统公园和古园林传统设计分崩离析，这点从欧洲的解构主义哲学思想中可以看出一些影子。
Kounellis认为：人类需要认同其本我自身，亦应该隐藏意图和抉择。2007年．Kounellis在罗马举行了“圣十字修道院在耶路撒冷的大门”主题展览，他以钢铁、彩色玻璃和碎石为材料铸造了一扇巨型的大门。教堂对于欧洲无论什么领域都有着重大的影响力及权威性，把这件创新的作品放在一座古老教堂本身就是一个很大的挑战。
2008年柏林，Kounellis用12把椅子围成了一个环形制造了一个钢铁墙壁的迷宫，其中有沉重的木质桌子、钟、大量的炭包、铁板、黄麻袋、石子造的开放式城墙、悬挂的生肉、破烂的床垫、装满机器的缝纫间…揭示了工业与艺术之间的联系。
2010伦敦Ambika P3地下空间迎来了一些特殊的金属墙壁、迷宫、桌子、标着字母K的屠户钩上挂着的玻璃瓶、一个残酷肢解着黑色大衣的衣柜、喷着火的燃气泵和管道、装着葡萄酒的货架。Kounellis的象征主义表现于一些原材料，例如：木材和火、煤炭和石头…那些成千上万年经久不变的饱含人类经历的物质。
基卢丽奥·包丽妮GIULIO PAOLINI
从60年代初开始创作考虑用材质（纸，画布，画框等），材料（管状颜料，方格等），安置的方式（方框颠倒悬挂的），Paolini强调观念比作品更为重要。1960年的一件作品用几何的画框呈现一种简单的方形，打破了当时人们对艺术想象的定义，融合了极简风格。
Paolini曾写道：“艺术家尽管忠于自己，但会因为其他因素暂时忘掉自己的存在。这种忘我的状态也许会带来另一种灵感，这种思想源自于对之前没落的王朝的反思”。
从60年代中期Paolini的作品开始多样化，以碎片作为创作元素。图片作为一个个体单位，永远没有固定的状态。1968年的作品《年轻人关注Lorenzo Lotto》，把一种私人情感转变成为一种创造性的大众行为。
1998年在格拉茨的博物馆展览空间让艺术家结合两种不同的表达方法。在中央圆形大厅，由树脂玻璃隔断分割愿意岛魔术，加上时间和颜色，宇宙引力和不稳定的重量等因素。在环境镜面运行的“运动”状态的飞机有序格，几何形状的互补加上白黑强烈对比的颜色，这个作品意在表达人们生活中会有许多梦想会破灭。
《一个和其他》是Paolini的一件伟大作品，2009年在罗马广场展出。装置的形状呈现一系列的圆形，想法来源于宇宙起源典故。这是有关于德契里柯的形而上学的概念。
居斯帕·皮诺内GIUSEPPE PENONE
1947年生，60年代末开始参与“贫穷艺术”。他的创作取材于自然环境，例如树木的生长变化过程。他认为自然演变本身就是一种艺术形式，作品通过自然元素的生长而得以表现，例如《土豆1977》、《南瓜1978-79》等。用植物的肢体语言作为雕塑的元素，采用拟人化的手法来表现，随着时间的推移，作品就在植物的生长过程自然而然地形成了，最后融为一体。
当摄影发展后，Penone的作品中开始涉及皮肤、压力等元素。Penone用粘性的黑色腰带在皮肤上分散覆盖，然后全程拍摄，投射到展览空间的墙壁上，皮肤和墙壁的质感形成了鲜明的对比。
1976年《纸的气息》，艺术家做了两个场景，一个是艺术家躺在一堆黄杨叶子上平缓地呼吸，另一个则是在青铜的融合中让短暂的行为变为永恒。
1978年《呼吸》系列，从口中喷出的空气形成一种花瓶形状，Penone用很多形式的黏土留下了身体的印记，在自己口中放入印好的模具，这样就在呼吸这一生命的节奏中诞生了最初的陶具。
《河流》是1981年的作品，表视作为文化基本要素的自然进程。人类的文明长期与河流有一种密不可分的关系。作品中的一块石头，是由艺术家爬到山的源头处选取的，并依照它复制成的一块相同的石头。这两块石头的展出，激发了天然品和复制品的对撞，指出艺术创作的本质就是对自然深入浅出的理解。
1987年《指甲》，对Penone而言是肢体的痕迹，作品的有趣在于艺术家善于抓住事物本质，将最平常的东西转变成为作品的一部分，指甲变为一个艺术化的图标。观众看到这件作品会产生最本能的情感，因为每个人都有指甲。
《缝合》这件雕塑1990年在法国的一个罗马式教堂展出。人脑图像被放大，头盖骨内用锯齿状钢带对应焊接的真空区域，这个人类大脑的图片被认为是怪异的。一个掏空了的脑袋意味着视觉世界中无层次结构，这是Penone对这个世界的看法。
Penone里程碑式的杰作，是在都灵皇宫的雕塑花园中展出的14件作品，用不同的材料——水、大理石、青铜、石材、花岗岩，巧妙地按照材料的硬度安放，作品之间有种流动的延伸感。
多样性正是其丰富的根源所在：既观念又感官；既直白又隐晦；既诗意又现实；既与当下的自然过程相关，又通过记忆与过去紧密相连。贫穷艺术彻底转变了当代艺术的语言，在追求更为广泛的文化实践意义时，使西方艺术史的前提也发生了变更。贫穷艺术接受矛盾和复杂，这些与开放性、流动性和主观性密切相关的因素，把贫穷艺术置于现代主义之外，但同时又保持了我们对它持续的迷恋。
Italo Furlan先生试图在讲座中阐释在文化全球化的背景下，不要自我封闭，这会失去更广泛的对话机会。在观众提问环节，同学们与Italo Furlan先生进行了热烈的交流。
杜隐珠/文
丁怡/图
