academic research

罗杰·拜伦简介...

2019-05-24 5 people interested

罗杰·拜伦1950年,出生于纽约现工作、生活于南非约翰内斯堡  教育背景 1982年,于科罗拉多大学获矿产经济学博士学位1982年,于科罗拉多大学获地质学硕士学位1972年,于加州大学伯克利分校获心理学学士学位  出版著作 《罗杰·拜伦的出现,消失,再现》,Nazraeli出版社,美国,2016年《罗杰·拜伦的精神剧场》,科林·罗兹,STOARC出版社,澳大利亚,2016年《复活》,Kerber Art/Serlachius Museot出版社,芬兰,2015年《房屋计划》,(撰文)迪迪·博齐尼,Oodee Books出版社,英国,2015年《自然》,罗杰·拜伦和亚当·甘孜,Hotshoe出版社,英国,2015年《观众》,Nazraeli出版社,美国,2014年《罗杰·拜伦的荒诞剧场》,Pug Oslo出版社,挪威,2014年《边境之地》,(序) 伊莉莎白·苏斯曼,费顿出版社,美国,2014年《鸟的庇护所》,泰晤士和哈德森出版社,英国,2014年《罗杰·拜伦与Die Antwoord乐队,I Fink U Freeky》,兰登书屋下属Prestel出版社,英国/美国,2013年《线条,印记与图画:透过罗杰·拜伦的镜头》,史密森尼国立非洲美术馆,华盛顿特区;DelMonico出版社;Prestel出版社,美国,2013年《罗杰·拜伦》,(序)多米尼克·埃迪,Photo Pouche丛书,法国,2012年《抽象动物》,(序)维姆·皮维斯,Reflex画廊,荷兰,2011年《罗杰·拜伦摄影集1969—2009》,(序)乌利齐·伯尔曼,Kerber Verlag出版社,德国,2010年《寄宿公寓》,(序)大卫·特拉维斯,费顿出版社,英国,2009年《影子房间》,(序)罗伯特·索比扎克,费顿出版社,英国,2005年《边境之地》,(序) 彼得·威尔麦尔,费顿出版社,英国,2001年《这非洲》,(序)莱昂内尔·默科特,Photo Pouche丛书,Editions Nathan出版社,法国,1997年《普拉特兰特:来自南非农村的影像》,(序)罗杰·拜伦,William Waterman出版社,1994年,Quartet出版社,1994年,英国;St Martins出版社,美国,1996年 《村落:南非的小镇》,(序)罗杰·拜伦,Clifton出版社,南非,1986年《少年时代》,(序)罗杰·拜伦,Chelsea House出版社,英国/美国,1979年  影片 罗杰·拜伦,《也许你是个摄影师,但艺术家呢》联合摄影集,2016年西摩,T;考克斯,T;班布里奇,S;施帕茨,JM;《罗杰·拜伦—边境之地》,《英国摄影杂志》,www.vjp-online.com,2016年《罗杰·拜伦的边境之地》,导演:本·克利斯曼,罗杰·拜伦,2015年《鸟的庇护所》,导演:本·克利斯曼,罗杰·拜伦,2011年《Die Antwoord乐队与摄影艺术家罗杰·拜伦合作的幕后》,彼得·谢林《I Fink U Freeky》音乐录影带,Die Antwoord乐队,导演:罗杰·拜伦和Ninja,2012年《庇护所》,导演:罗杰·拜伦,萨斯基亚·沃德维德,荷兰电影基金,2012年《死亡警告》,萨斯基亚·沃德维德,荷兰电影基金,2005年《自画像》,罗杰·拜伦,荷兰广播公司,2002年ITV电视台南岸秀,《普拉特兰特: 来自南非农村的影像》,伦敦,1995年《村落:南非的小镇》,罗杰·拜伦新书记录,南非广播公司,1986年  展览图录 《罗杰·拜伦》,Edition Carpentier / EC2,德国柏林,2016年《罗杰·拜伦:命运》,蒙特塞拉特博物馆,西班牙,2015年《罗杰·拜伦的昏暗之境 1982—2014》,捷克摄影艺术中心,卡夫卡之家,2015年《罗杰·拜伦回顾展》,尼古拉艺术中心,2013年《罗杰·拜伦:游戏围栏》,南非西北大学,波切夫斯特鲁姆,SA,2012年《摄影—阴暗之地》,曼彻斯特艺术画廊,2012年《罗杰·拜伦的当代艺术计划》,里士满,SA,2011年《罗杰·拜伦,塞拉维扎摄影2011》,美第奇宫,塞拉维扎,意大利,2011年《展览:极速疯狂》,布罗姆奎斯特艺术,奥斯陆,挪威,2011年《罗杰·拜伦》,尼泰罗伊当代艺术博物馆,2011年 Iziko南非国家美术馆,2010年《阴暗房间》,森达美术馆,巴塞罗那,2010年(再版)《结构:南非当代艺术》,当代艺术博物馆,里约热内卢,巴西,2010年《罗杰·拜伦,观众》,Nazraeli出版社,曼彻斯特,英国,2014年《线条,印记与图画:透过罗杰·拜伦的镜头》,史密森尼国立非洲美术馆,华盛顿哥伦比亚特区,DelMonico Books出版社,美国,2013年  Abitare Mondi – Living Worlds,鲁比科内河畔萨维纳诺图像艺术节,意大利,2010 马西莫米尼尼,Sentences,2010《PEEKABOO! 当代南非》,赫尔辛基艺术博物馆网球宫,芬兰,2010年《罗杰·拜伦回顾展》,Regenta艺术中心,2010年 第一届摄影双年邀请展,Skotia画廊,新墨西哥州圣菲,2010年《罗杰·拜伦的故事》,加尔达湖滨博物馆,意大利,2010年《罗杰·拜伦摄影1969—2010》,Munchner德累斯顿市立博物馆,2010年《引人注目的图像》,普利姆索尔画廊,塔斯马尼亚大学艺术中心,2009年《罗杰·拜伦1982-2004回顾展》,《艺术生涯中期回顾展&寄宿公寓》,卢布尔雅那图片社,斯洛文尼亚,2009年  Punto Aparte艺术节,Bendita Locura,意大利,2009年《暗室,自1950起南非的摄影与新媒体艺术》,弗吉尼亚艺术博物馆,美国,2009年《罗杰·拜伦:寄宿公寓》,安大略艺术设计学院画廊,安大略,加拿大,2009年《罗杰·拜伦: 1982—2009》,米兰三年展,2009年《肖像:摄影的舞台》,维也纳,2009年《野蛮、温柔、人类、动物》,澳大利亚国家图书馆,堪培拉,澳大利亚,2008年《背后的阴影:罗杰·拜伦摄影》,维拉诺瓦·蒙特利昂娜,撒丁岛,2008年《死亡的遗憾》,BWA卡托维兹,波兰,2008年《致敬Federico Vender》,意大利,2007年 Reflex 新艺术画廊,阿姆斯特丹,2005《第三身体》,世界文化宫,德国,2004年《作为当代艺术的摄影》,英国,2004年《罗杰·拜伦:人类的借口》,图卢兹,法国,2004年《水平思考,1990年代的艺术》,圣迭戈当代美术馆,美国 卡拉索扎尼画廊,米兰,意大利,2003年《现实与虚构》,Kamel Mennour画廊,法国巴黎,2003年《Photographers’ Gallery Press no. 2》,日本《秘密照片》,德国,2003年《大自然的静物—摄影》,当代艺术画廊,博洛尼亚,意大利,2002年《错位—南非图像与文化认同》,西班牙,2002年《2002年肖像摄影大奖十周年庆典:1993—2002》,国家人像美术馆,约翰·克巴尔《在非洲》,Noorderlicht摄影,荷兰,2000年《千条猎犬》,雷蒙德·梅里特与迈尔斯·巴特,2000年《新自然历史》,国立影视摄影博物馆,英国,1999年《非洲介绍》,莱昂内尔·默科特,Mesiac Fotografie,1999年《卢默’98,阴影》,芬兰,1998年《当代南非摄影》,南非国家美术馆, 1998年《双重生活双视图》,卡地亚当代艺术基金会,1997年  作品收藏 西澳大利亚艺术馆,澳大利亚佩斯犹太博物馆,美国纽约波利艺术博物馆,芬兰波利伯克利美术馆,美国加利福尼亚法国国家图书馆,法国巴黎伯明翰博物馆和美术馆,美国阿拉巴马布鲁克林博物馆,美国纽约蓬皮杜中心,法国巴黎中央美术学院美术馆,中国北京摄影博物馆,德国慕尼黑乔治伊士曼之家,美国纽约罗彻斯特海法艺术博物馆,以色列约翰内斯堡美术馆,南非洛杉矶郡艺术博物馆,美国路易斯安那博物馆,丹麦欧洲摄影之家,巴黎曼彻斯特美术馆,英国曼彻斯特爱丽舍博物馆,瑞士洛桑摄影艺术博物馆,丹麦国家摄影博物馆,意大利布雷西亚里约热内卢当代美术馆,巴西福克博物馆,德国当代艺术博物馆,美国圣迭戈休斯顿美术馆,美国德克萨斯州现代艺术博物馆,美国纽约国家美术馆,南非开普敦国立媒体博物馆,英国布拉德福德棕榈泉艺术博物馆,美国加利福尼亚普希金博物馆,俄罗斯莫斯科阿姆斯特丹国家博物馆,荷兰阿姆斯特丹俄罗斯国立美术馆,俄罗斯莫斯科阿姆斯特丹市立博物馆,荷兰阿姆斯特丹泰特美术馆,英国伦敦特拉维夫艺术博物馆,以色列维多利亚和阿尔伯特美术馆,英国伦敦弗吉尼亚美术馆,美国弗吉尼亚  ...More

罗杰·拜伦简介...

2019-05-24 2 people interested

罗杰·拜伦1950年,出生于纽约现工作、生活于南非约翰内斯堡  教育背景 1982年,于科罗拉多大学获矿产经济学博士学位1982年,于科罗拉多大学获地质学硕士学位1972年,于加州大学伯克利分校获心理学学士学位  出版著作 《罗杰·拜伦的出现,消失,再现》,Nazraeli出版社,美国,2016年《罗杰·拜伦的精神剧场》,科林·罗兹,STOARC出版社,澳大利亚,2016年《复活》,Kerber Art/Serlachius Museot出版社,芬兰,2015年《房屋计划》,(撰文)迪迪·博齐尼,Oodee Books出版社,英国,2015年《自然》,罗杰·拜伦和亚当·甘孜,Hotshoe出版社,英国,2015年《观众》,Nazraeli出版社,美国,2014年《罗杰·拜伦的荒诞剧场》,Pug Oslo出版社,挪威,2014年《边境之地》,(序) 伊莉莎白·苏斯曼,费顿出版社,美国,2014年《鸟的庇护所》,泰晤士和哈德森出版社,英国,2014年《罗杰·拜伦与Die Antwoord乐队,I Fink U Freeky》,兰登书屋下属Prestel出版社,英国/美国,2013年《线条,印记与图画:透过罗杰·拜伦的镜头》,史密森尼国立非洲美术馆,华盛顿特区;DelMonico出版社;Prestel出版社,美国,2013年《罗杰·拜伦》,(序)多米尼克·埃迪,Photo Pouche丛书,法国,2012年《抽象动物》,(序)维姆·皮维斯,Reflex画廊,荷兰,2011年《罗杰·拜伦摄影集1969—2009》,(序)乌利齐·伯尔曼,Kerber Verlag出版社,德国,2010年《寄宿公寓》,(序)大卫·特拉维斯,费顿出版社,英国,2009年《影子房间》,(序)罗伯特·索比扎克,费顿出版社,英国,2005年《边境之地》,(序) 彼得·威尔麦尔,费顿出版社,英国,2001年《这非洲》,(序)莱昂内尔·默科特,Photo Pouche丛书,Editions Nathan出版社,法国,1997年《普拉特兰特:来自南非农村的影像》,(序)罗杰·拜伦,William Waterman出版社,1994年,Quartet出版社,1994年,英国;St Martins出版社,美国,1996年 《村落:南非的小镇》,(序)罗杰·拜伦,Clifton出版社,南非,1986年《少年时代》,(序)罗杰·拜伦,Chelsea House出版社,英国/美国,1979年  影片 罗杰·拜伦,《也许你是个摄影师,但艺术家呢》联合摄影集,2016年西摩,T;考克斯,T;班布里奇,S;施帕茨,JM;《罗杰·拜伦—边境之地》,《英国摄影杂志》,www.vjp-online.com,2016年《罗杰·拜伦的边境之地》,导演:本·克利斯曼,罗杰·拜伦,2015年《鸟的庇护所》,导演:本·克利斯曼,罗杰·拜伦,2011年《Die Antwoord乐队与摄影艺术家罗杰·拜伦合作的幕后》,彼得·谢林《I Fink U Freeky》音乐录影带,Die Antwoord乐队,导演:罗杰·拜伦和Ninja,2012年《庇护所》,导演:罗杰·拜伦,萨斯基亚·沃德维德,荷兰电影基金,2012年《死亡警告》,萨斯基亚·沃德维德,荷兰电影基金,2005年《自画像》,罗杰·拜伦,荷兰广播公司,2002年ITV电视台南岸秀,《普拉特兰特: 来自南非农村的影像》,伦敦,1995年《村落:南非的小镇》,罗杰·拜伦新书记录,南非广播公司,1986年  展览图录 《罗杰·拜伦》,Edition Carpentier / EC2,德国柏林,2016年《罗杰·拜伦:命运》,蒙特塞拉特博物馆,西班牙,2015年《罗杰·拜伦的昏暗之境 1982—2014》,捷克摄影艺术中心,卡夫卡之家,2015年《罗杰·拜伦回顾展》,尼古拉艺术中心,2013年《罗杰·拜伦:游戏围栏》,南非西北大学,波切夫斯特鲁姆,SA,2012年《摄影—阴暗之地》,曼彻斯特艺术画廊,2012年《罗杰·拜伦的当代艺术计划》,里士满,SA,2011年《罗杰·拜伦,塞拉维扎摄影2011》,美第奇宫,塞拉维扎,意大利,2011年《展览:极速疯狂》,布罗姆奎斯特艺术,奥斯陆,挪威,2011年《罗杰·拜伦》,尼泰罗伊当代艺术博物馆,2011年 Iziko南非国家美术馆,2010年《阴暗房间》,森达美术馆,巴塞罗那,2010年(再版)《结构:南非当代艺术》,当代艺术博物馆,里约热内卢,巴西,2010年《罗杰·拜伦,观众》,Nazraeli出版社,曼彻斯特,英国,2014年《线条,印记与图画:透过罗杰·拜伦的镜头》,史密森尼国立非洲美术馆,华盛顿哥伦比亚特区,DelMonico Books出版社,美国,2013年  Abitare Mondi – Living Worlds,鲁比科内河畔萨维纳诺图像艺术节,意大利,2010 马西莫米尼尼,Sentences,2010《PEEKABOO! 当代南非》,赫尔辛基艺术博物馆网球宫,芬兰,2010年《罗杰·拜伦回顾展》,Regenta艺术中心,2010年 第一届摄影双年邀请展,Skotia画廊,新墨西哥州圣菲,2010年《罗杰·拜伦的故事》,加尔达湖滨博物馆,意大利,2010年《罗杰·拜伦摄影1969—2010》,Munchner德累斯顿市立博物馆,2010年《引人注目的图像》,普利姆索尔画廊,塔斯马尼亚大学艺术中心,2009年《罗杰·拜伦1982-2004回顾展》,《艺术生涯中期回顾展&寄宿公寓》,卢布尔雅那图片社,斯洛文尼亚,2009年  Punto Aparte艺术节,Bendita Locura,意大利,2009年《暗室,自1950起南非的摄影与新媒体艺术》,弗吉尼亚艺术博物馆,美国,2009年《罗杰·拜伦:寄宿公寓》,安大略艺术设计学院画廊,安大略,加拿大,2009年《罗杰·拜伦: 1982—2009》,米兰三年展,2009年《肖像:摄影的舞台》,维也纳,2009年《野蛮、温柔、人类、动物》,澳大利亚国家图书馆,堪培拉,澳大利亚,2008年《背后的阴影:罗杰·拜伦摄影》,维拉诺瓦·蒙特利昂娜,撒丁岛,2008年《死亡的遗憾》,BWA卡托维兹,波兰,2008年《致敬Federico Vender》,意大利,2007年 Reflex 新艺术画廊,阿姆斯特丹,2005《第三身体》,世界文化宫,德国,2004年《作为当代艺术的摄影》,英国,2004年《罗杰·拜伦:人类的借口》,图卢兹,法国,2004年《水平思考,1990年代的艺术》,圣迭戈当代美术馆,美国 卡拉索扎尼画廊,米兰,意大利,2003年《现实与虚构》,Kamel Mennour画廊,法国巴黎,2003年《Photographers’ Gallery Press no. 2》,日本《秘密照片》,德国,2003年《大自然的静物—摄影》,当代艺术画廊,博洛尼亚,意大利,2002年《错位—南非图像与文化认同》,西班牙,2002年《2002年肖像摄影大奖十周年庆典:1993—2002》,国家人像美术馆,约翰·克巴尔《在非洲》,Noorderlicht摄影,荷兰,2000年《千条猎犬》,雷蒙德·梅里特与迈尔斯·巴特,2000年《新自然历史》,国立影视摄影博物馆,英国,1999年《非洲介绍》,莱昂内尔·默科特,Mesiac Fotografie,1999年《卢默’98,阴影》,芬兰,1998年《当代南非摄影》,南非国家美术馆, 1998年《双重生活双视图》,卡地亚当代艺术基金会,1997年  作品收藏 西澳大利亚艺术馆,澳大利亚佩斯犹太博物馆,美国纽约波利艺术博物馆,芬兰波利伯克利美术馆,美国加利福尼亚法国国家图书馆,法国巴黎伯明翰博物馆和美术馆,美国阿拉巴马布鲁克林博物馆,美国纽约蓬皮杜中心,法国巴黎中央美术学院美术馆,中国北京摄影博物馆,德国慕尼黑乔治伊士曼之家,美国纽约罗彻斯特海法艺术博物馆,以色列约翰内斯堡美术馆,南非洛杉矶郡艺术博物馆,美国路易斯安那博物馆,丹麦欧洲摄影之家,巴黎曼彻斯特美术馆,英国曼彻斯特爱丽舍博物馆,瑞士洛桑摄影艺术博物馆,丹麦国家摄影博物馆,意大利布雷西亚里约热内卢当代美术馆,巴西福克博物馆,德国当代艺术博物馆,美国圣迭戈休斯顿美术馆,美国德克萨斯州现代艺术博物馆,美国纽约国家美术馆,南非开普敦国立媒体博物馆,英国布拉德福德棕榈泉艺术博物馆,美国加利福尼亚普希金博物馆,俄罗斯莫斯科阿姆斯特丹国家博物馆,荷兰阿姆斯特丹俄罗斯国立美术馆,俄罗斯莫斯科阿姆斯特丹市立博物馆,荷兰阿姆斯特丹泰特美术馆,英国伦敦特拉维夫艺术博物馆,以色列维多利亚和阿尔伯特美术馆,英国伦敦弗吉尼亚美术馆,美国弗吉尼亚  ...More

荒诞的套层结构:关于罗杰·拜伦的展览想象与策展语境...

2019-05-24 4 people interested

荒诞既不寓于人,也不寓于世界,而在于两者一起出场。荒诞一时间,就成为连结人与世界的唯一纽带。——《西绪福斯的神话:论荒诞》(法,加缪著,李玉民译,漓江出版社,2015年出版,第27页)我第一次见罗杰·拜伦是2013年9月,好友王江带着刚在平遥摄影节成功举办个展的他取道北京,并安排与我见面,探讨在中央美术学院美术馆为其举办个展事宜。罗杰给我的第一印象是一个表情严肃,谦逊、憨厚,即将步入老年的长者形象。说起话来,声音低沉且充满磁性。短暂寒暄,坐定,上咖啡,他打开带来的几本画册和一些照片,我瞬间被其吸引。那些几乎全部是正方形画幅的黑白照片,不苟言笑地散发着荒诞、虚无与沉默气息,可谓神完气足(energy),张张精彩。时过三载,仍记忆犹新。在我看来,罗杰的照片仿佛是激活了其骨子里的率真,非常稳定地释放出某种蕴藏在体内的独特的艺术直觉和本能,以及感受力和创造力。我开始被这个人及其作品吸引。一边翻看他带来的照片,一边听他介绍,我脑子里不停闪现出一系列疑问:他到底凭什么本事总能将照片呈现出一种神秘、野性和荒诞感?这是一种荒诞的创作方式,还是创造荒诞的创作方式?是荒诞在他的作品里,还是他的作品在荒诞里?这种荒诞图像究竟意味着什么?作为策展人,我为他策划展览的语境在哪里?我顿时有点儿发蒙。从图像的空间上看。罗杰·拜伦的照片图像不仅仅是某种荒诞现场的瞬间定格,也不仅仅是一种对悲惨现实的再现与描述,更不仅仅是画面上充满戏剧性的杂乱场景与涂鸦,而更多的是展现出强烈的私密性、封闭性和压缩感。这种空间的封闭、私密和压缩,不仅来自某一特殊现实的私密观看、再现和隐喻,更直指艺术家的内心—心灵空间。更重要的是,我们看到了空间被挤压。由于罗杰刻意拉近了被摄主体和背景的距离,从而导致一种图像内在空间的压缩。于是,在这个艺术家建构的空间中,“墙”成为了被摄主体寻求慰藉的重要依靠,也成为了阻断人与人之间交流和沟通并制造隔离的障碍;在它的表面,我们看到电线、绳索、破布、灯泡、开关、报纸、涂鸦、小玩偶……它们与墙面混合为一个整体。它们既是道具,也是舞台,更是被观看的另一主体。因此,在各种灰度和物的复杂材料质感与肌理变化中,呈现出另一种空间—肌理空间。还是这个背景,它让被摄主体直逼观者眼前,而它的想象空间却在其可延伸的外部,在它的反面,或是在那些你看不到的地方。这种空间被压缩后的视觉结构导致了一种强烈的图像张力,一个自给自足的视觉景观,并给观者定制了一个持续展开参照和发散思维的场域—想象空间。从图像的形式上看。罗杰的照片不仅仅沉迷于影调上的复杂、压抑与灰暗,也不仅仅充满着对边缘人群生存状况的同情,更不仅仅是展现被摄主体的冷漠、疏离与癫狂,而是借助着他对摄影作为艺术创作的鲜明个人风格,为我们呈现了一个失语的边缘群体在特定空间的物理存在状态。他们时而自在自得,时而充满迷茫;他们时而等待救赎,时而等待死亡。他在为他们造像并为他们发言。动物的出场似乎让混乱的画面出现了一丝生机,它们用单纯的目光、优美的形体曲线和肢体语言,去对抗混乱,去抵抗死亡。但它们也同样处在边缘、任人宰割、等待救赎。罗杰·拜伦将这种生活的无意义,引申到一种形而上的焦虑之中—荒诞。而这“荒诞”之于罗杰的作品,更多的是一种无实体的、无形的要素,它恰好打破了图像形式中的丰富、饱满与庞杂,甚至是混乱。荒诞更像禅宗里的“空”和“无”,从而暗喻着另一种丰饶(其实,“荒诞[absurde]”一词的词源属于音乐领域,在拉丁语中,absurdus就有“聋的和听不到的”意思)。罗杰是用这种精神上的丰饶和富足去对抗视觉上的“满”。因此,我们有理由相信,艺术家是在用荒诞去打破由他所建构的复杂图像!而他用照相机去制造、捕捉和正视荒诞的目的,也许恰恰是为了转移、摆脱与逃离荒诞。于是,在这个过程中,荒诞成了一个借口,一个不断翻转的介质;而一种创造性的工作—艺术创作,对于罗杰·拜伦而言,恰恰又成为他摆脱荒诞的手段与途径。恰恰是这个不断周而往复的过程,引发了荒诞图像的大量增殖,并由此导致了另一重意义上的荒诞。 只有在不赞同荒诞的情况下,荒诞才有意义。——《西绪福斯的神话:论荒诞》(法,加缪著,李玉民译,漓江出版社,2015年出版,第28页) 现在回想起来,三年前的那个下午,罗杰·拜伦的照片之所以把我迷住,首当其冲的便是“荒诞”这个主题。如果说,罗杰的照片呈现更多的是一种内心荒诞的话,那么,今天中国的现实可以说是在被一种超大规模的景观性“巨大荒诞”所笼罩。无论是近二十年的城市化运动所带来的天翻地覆般的城市空间变革,还是近年来通过反贪腐、打“老虎”打出来的各种荒诞事例在国人内心产生的冲击,在我看来,这种“巨大的荒诞”已经可以被看成当代中国的一个重要文化命题。面对眼前这个可能是人类历史上从未有过的史诗般荒诞,它完全可被看成是这个时代给予内心尚存一丝文化理想的人们的最佳馈赠!当“罗杰·拜伦:荒诞剧场”这个展览在美术馆这个社会和知识生产容器内呈现的时候,当“容器”内部环境与外在环境中的这两种不同荒诞相遇,它们之间所形成的某种套层结构和话语张力如何发生奇妙的关系?于是,我开始想象,观众进入美术馆,进入罗杰·拜伦的展厅时,能否带来一些新的体验,一种从未有过的体验?通过展览,人们如何看待和把握荒诞?如何去思考和想象荒诞?如何去观看一种他者的荒诞?如何去反思自身的现实?谁在策展?为谁策展?我们在怎样的语境中策展?如此等一系列问题,也就构成了我们不断想象、构思、策划“罗杰·拜伦:荒诞剧场”这个展览的起点。 蔡 萌  博士、中央美术学院美术馆学术部副研究员、策展人  2016年8月6日于北京朝阳 ...More

皮相之下,浪潮之巅:多线索视角下,谈马克·奎恩的创作思维...

2019-04-23 55 people interested

《皮相之下》已然接近尾声,这场展览精选了马克·奎恩(Marc Quinn)不同创作节点的作品,将艺术家的多条创作线索混置其中,彼此相交,延展,由此而生的复杂性,同样是展览中引人深思的部分。在皮相之下似乎仍存有未知的境地,它们隐匿在不同线索之间微妙的关联和分别上,本文从创作思维的角度切入,探寻马克·奎恩作品的特质。 ...More

“周吉荣&叶南:天人之际”策展人语...

2019-03-12 176 people interested

每位艺术家的叙事模式和其“时空观”密切相关。时空的选择注定了他的视野和立基点,还有观察视角和表现方法,题材和语言在作品中汇集,成为“他之所以是他”的特征。时间上,可以追溯远古,也可以直面当下;空间上,可以仰望天际,也可以近观身边。时空交叉,不仅反映了艺术家当下状态,也折射出其精神维度的指向。对特定时空的选择与艺术家对历史和当下,近处和远方的态度有关。何时何地可以栖居?何时何地可以对话?艺术家给出的选择和作为对话成果的艺术作品都在冲击、丰富乃至更新着我们的理解,我们的感受,或许这正是艺术创作的价值所在。周吉荣和叶南作品的一个重要特征就是与时下语境的疏离。这种感觉的出现和他们的“时空观”关系密切。具体来说,主要是他们的选择的历史时段和历史观,以及他们的空间关注以及对空间的不同解读所引起的。“遥远的天际线”、“永恒的曙光与余晖”、“穿越时空的建筑遗迹”是在两位艺术家作品出现最多的意象。岁月流转对永恒企及的破坏,建筑遗迹勾起的对曾经辉煌的遐想,日出日落对人世间聚散离合的漠然。在所营造的这一环境中,周吉荣和叶南所表现出的态度显然不同:周吉荣在综合材料作品中突出“空寂”的在场,借助特种纸与笔摩擦而出的的斑驳陆离痕迹,消减历史的褶皱,塑造出一个“无人之境”,演奏着“历史的清唱”。《流景之三》  周吉荣   综合材料 88x136cm  2011年叶南则是通过顶天立地人物的塑造,构成一个个大大小小“十字架”的稳定结构,来抵抗时空给她带来的惊恐和敬畏。“有人在场”并没有带来热闹,反而更加凸显了“孤寂的极限”。《屁孩》之二  叶南  200x200cm  2017年在上世纪九十年代“后学”的冲击下,“大历史观”遭遇了前所未有的质疑。解构之后的碎片化,平视之下的去神圣化随处可见。反映在美术界,突出表现在“新生代”艺术、政治波普艺术的出现。与此相悖,周吉荣和叶南的创作却和“大历史观”相呼应。两相对照,各有其独到之处,当下两位艺术家相对罕见的叙事模式也给观众提供了一个不可多得的案例。之所以以“天人之际”做为展览名,一是因为两位艺术家作品中的视觉构图,二是其作品相对于“现实性”所表现出的“超越性”。在这样的思考脉络中,联系余英时先生在《论天人之际》所提到的“内向超越”问题,可能对两位艺术家的艺术创作状态会有更多的体会和感悟。司马迁《报任安书》有云“究天人之际,通古今之变,成一家之言”,期待两位艺术家的展览可以给观众提供不同的视觉经验和认知维度。刘礼宾中央美术学院副教授2019年3月 ...More

清晰的过去和模糊的现实...

2019-03-12 124 people interested

“清唱”通常指一个人不化妆,不用背景音乐,不是完整地唱完一首曲子,只选择其中的片段歌唱。一般来说,敢清唱的人都不是一般人,周吉荣就不是一般的人。我和吉荣是同学,从中专到本科到央美同事,四十余年在一起,可谓知根知底了。但是,也不尽然。譬如,我们都在央美上学,都在一个系,都在北京这个大环境里,不知道为什么选择了丝网专业。他毕业创作画的是北京胡同,而我选的是木刻专业,毕业创作画的是“贵州人”。《海市蜃楼之十四》 周吉荣  布面综合材料  80x140cm  2004在二十世纪九十年代乃至于到今天,画老北京的画家中,水平最高、作品最受欢迎尤其是外国藏家欢迎的,估计是没有超过周吉荣的。他的制胜法宝有两个:一是独具慧眼。你看他在三十多年的创作生涯中,除了中间有一段选择较为抽象的天空做主题,前后大部分的时间都是选择具有鲜明历史特征的建筑为主题。譬如“老北京胡同”、“人民大会堂”、“人民英雄纪念碑”、“天坛”和“天安门”等等。他总是将这些意味深长的建筑从周边的环境中抽离出来,使它们有历史感的形象越加生动和强烈,令人浮想联翩。二是“独门绝技”。吉荣的“独门绝技”是对丝网技术的熟练掌握和精准应用。其实,丝网版画进入中国的历史很短,中央美院是中国最早开设丝网版画教学的学院,周吉荣恰好是最早的学员之一。《北京No.18》 周吉荣  丝网版画  50x68cm 2008年丝网作为一种印刷工艺和木版画与铜版画及其他版种一样,他们最早都是印刷术的一种,而应用于版画创作都是后来的事情。我至今都还清晰记得,丝网版画当时是一种新事物。此前丝网技术主要是在印染厂中使用,我的中专同学就有分配在工厂里专门印床单和毛巾图案的。因此,版画家和版画学生中许多人并不接受丝网版画,尤其是嫌弃手绘制版的丝网版画线条简单、色彩“俗气”,还有照相制版的丝网版画体现不出当时人们最看重的“造型功夫”。《景观——太和殿》  周吉荣   综合版画  60x75cm  2013年 是的,初创时期的丝网版画大多数确实简陋粗糙,唯个别人例外,周吉荣就是个例外。他用照相制版方式创作的丝网版画,既是已经消失的老北京的珍贵记忆,也是中国版画的丝网经典与历史坐标。我把他那个阶段的作品称为“清晰的过去”。他画的那些清晰而又真实的建筑早已不在,它们消失在八、九十年代的现代化进程里的烟尘之中。“北京胡同”,是一首首令人五味杂存的文化挽歌。此后,他的绘画告别了北京胡同,但一以贯之的是:他仍然画北京,他画霞光里的高楼和城市的地平线;画雾霾中的如同海市蜃楼一样的历史建筑。这些坚固如昔的屋宇在电脑技术和丝网重叠的印痕中变的虚幻而又神秘,这既是周吉荣无声的“历史的清唱”,也是他无言的现世之言。王华祥中央美术学院造型学院副院长、版画系主任、教授     2019年2月24日于北京万圣谷 ...More

寻根之路...

2019-03-12 137 people interested

叶南是中央美术学院造型学院基础部的教授,在中央美术学院从教二十多年来,培养出一批又一批优秀学生,积累了丰富的教学经验。与此同时,她坚持油画创作和学术研究,在她的艺术作品中,我们能够清晰地看到她对人性的关怀和超越现实的思考维度,那是一种扎根本土,并在对中国文化精神内涵的深刻理解基础上的创造,在我看来,叶南的艺术之路,可以称得上是中国文化精神的寻根之路。《重负》之三  叶南  180x180cm  2013年“寻根”的意涵上大体有二,第一是在美学意义上对民族文化资料的重新认识和阐释,发掘其积极向上的文化内核;第二是以现代人感受世界的方式去领略古代文化遗风,寻找激发生命能量的源泉。在我们熟知的文学作品,如阿城的《棋王》和贾平凹的《商州系列》都有“寻根”的特征,这些作品都是把人物置于宏大历史图景中,发掘人性之根本。叶南1988年中央美院附中毕业后,考入中央美院油画系第三工作室,师从詹建俊先生,这原本是一条再正常不过的学习艺术的道路,但人生总是由于某此偶发的事件带来改变——1989年,叶南由中央美院推荐,受文化部派遣前往前苏联学习艺术,成为许多人向往的公派留学生。前苏联是一个具有深厚文化历史积淀的民族,在他们的绘画中我们既能够感受到这个战斗民族的英雄气质,又能体会到他们纪念碑式的历史厚重感。他们的艺术既有俄罗斯民族历史中的经典故事,又有在或重大历史事件或平凡生活中表达的对人类情感的丰富追求。今天,当我们重新审视列宾的代表作《伊凡雷帝杀子》和《扎波罗什人给土耳其苏丹王复信》等作品时,我们仍能够真切地感受到像列宾这样的俄罗斯艺术家在创作中把握历史事件冲突与人性情感对话的高超技巧。《千年长城万古殇》  叶南  350x800cm  2018年 身为留学生的叶南在熟练地研习列宾美院油画表现技法的同时,在创作上很难和他乡的历史与现实进行对话,这也是所有出国研习的留学生所遇到的困境,但前苏联文化中对人性的深切关怀却深深地在她的心灵上留下烙印。1990年,前苏联解体。与国家解体同时发生的是意识形态的更新,一整套完整的价值观和道德规范随之消亡。当叶南回忆起她在解体现场所感受到的内心震荡时感言到:“社会的动荡,是一个民族最大的损失。” 在这一纷乱的时期,动荡的俄罗斯社会,让叶南更加去思考人性的本质。叶南在回忆她五年级即将毕业时讲述了这样一个故事:圣诞节的午后,五点时刻的圣彼得堡已是黄昏,在这万家灯火时分,她选择了一种特殊的方式去度过这样一个节日——去医院看望久病卧床的导师P.T.法明(P.T.Fomin)教授。当几经周折来到医院找到P.T.法明教授的病房时,P.T.法明教授和他的夫人两位八十有余的老人,感动得热泪盈眶。临别时P.T.法明教授写下了他人生中最后一行字:“我非常高兴有缘与叶南相识。祝聪明的叶南不断取得新成就,创作出更优秀的作品。”当在毕业答辩时,叶南向全院师生讲述了这一故事并展示了法明教授的最后文字时,在场的师生们流下了感动的泪水。当时的俄罗斯美术院院士、列宾美院学术委员会主任A.A.梅利尼夫(A.A.Mylnikov)评价道:“你做到了我们所有人想做而没有做的一件事。”这样的一段经历让叶南意识到,人性是共通的,是超越民族和国界的。《我心飞翔》之一  叶南  200x200cm  2014年1996年,叶南学成归国,在中央美院油画系任教。掌握了俄罗斯油画技巧的叶南,真切地感受到中国现实社会发展的变革与中国现实主义绘画的关系,与她在俄罗斯所学到的历史题材与宏大叙事的方法是完全不同的。在回忆这段时间时,叶南讲到,留学回来的人一般都不会画创作,因为我们既不能表现别国的历史人文与自然,又无从扎根在中国这块土地上找寻创作切入点。这时的叶南如同所有的归国留学生一样,在艺术语言与社会题材的维度中探索,然而不久,她就开始把俄罗斯绘画中寻根精神,切实地转化为对于中国现实的语言表达,也就开始了她归来后的寻根之路。今天,展现在我们眼前的由刘礼宾先生策划的“孤寂的极限——叶南作品展”是叶南教授2000年至今的代表性作品。我们无论从她描绘右玉和赤水河的风景中所寄寓的雄浑苍茫的大地,还是对古战场的追思,以及身为母亲关怀孩子的成长到那些有宗教信仰和历史题材的作品中都能够看到她对人性共通情感关注、对人类历史的思考、对人最基本情感的表现和热爱,这些作品更是“寻根”的见证。叶南教授既明确了她作为中国艺术家在当下社会所面临的问题,并且找到了属于自己的解决问题的方法。在叶南的“孤寂的极限”的大地上,我们看见的是一位艺术家,翻开历史的长卷,发出的洪亮的声音。这样的声音让漂浮的根深深地扎根在中国当下这一片大地上。张路江中央美术学院造型学院副院长、基础部主任、教授2019年2月 ...More

林岗历史画创作的11件代表作...

2019-03-11 166 people interested

《群英会上的赵桂兰》(作者放大原作)水质颜色,绢138 x 176cm1951中央美术学院美术馆藏(首幅原作:水质颜色,纸。香港汉雅轩藏)林岗    描绘了1950年9月25日毛泽东在“全国工农兵劳动模范代表会议”期间上亲切接见劳动模范赵桂兰的情景,这件作品被认为是延安时代以来新年画发展的一件具有代表性的作品。创造性地将油画语言渗透其中,尤其在构图和人物塑造上呈现出与传统年画完全不同的面貌。1951年这件作品被《人民日报》刊载后,印成年画在全国发行上百万份。 《狱中》油画160x282cm1961中国国家博物馆藏林岗《狱中》是林岗留学回国后创作的第一张历史画,画面的中心人物以革命者王若飞为原型,表现了革命者狱中斗争的情形。在作品中,林岗采用了欧洲古典油画的透明画法,在层层的罩染中完成对室内空间和凝重画面氛围的营造,成为当时革命现实主义创作的佳作。此画为新中国首次试用此技法的作品。 《考察农民运动》油画150 x 275cm1964湖南韶山美术馆藏?林岗当时在共产国际的领导下,要求中国共产党像苏联一样,红军攻打城市、占领城市直捣冬宫取得革命胜利。当时中国共产党内对革命方式及革命路线争论激烈,毛泽东在湖南农村开展了打土豪、分田地土改运动,农民情绪极为高涨,纷纷参军。中国是个农业国,毛泽东熟悉农民,走农村包围城市的革命道路更符合中国的国情。《井冈山会师》油画200 x 380cm1975中国国家博物馆藏林岗1927年9月毛泽东率领湖南等地革命军举行秋收起义,上了井冈山,建立革命根据地,随后朱德率军前往井冈山与毛泽东会合,以壮大革命队伍。到达当天,毛泽东正好下山有任务,等到毛泽东返回时,朱德大军已经安顿好了。但从大的历史发展看,是朱德投奔井冈山根据地与毛会合。《周总理是咱贴心人》油画154.5 x 220cm1976私人收藏林岗,厐壔,苏高礼   1976年10月,当得知揪出“四人帮”后,我们立即自发为纪念周总理去逝周年。庞壔与苏高礼完成《贴心人》,合作中庞壔画总理右侧的群众及左侧的老大娘,苏画左侧其他群众及背景,铺完大色调后,感到比较暗,林岗先把粉红衣服提亮,随着将窑洞墙面及地面提亮,定了大色调,然后画周总理及陈永贵形象,庞涛希望除总理之外,都画普通群众,未采纳。苏、庞接着完成,庞又将左侧人物形象作了修整,使整幅画相对统一,全部背景环境皆由苏高礼一人完成。 《万里征程诗不尽》(又称《马背诗篇》)油画180x298cm1977中国国家博物馆藏林岗,厐壔  《万里征程诗不尽》是林岗和厐壔为纪念毛泽东主席逝世周年的创作,画面构图由厐壔完成。当时革命历史博物馆到中央美术学院组织毛主席去逝周年画展,林岗首选了做诗的画题。在革博放大完成,古元先生看后问:这画的题目是什么?答:还没想好,马背吟诗?,古元先生停顿片刻说:“万里征程诗不尽”,从此定名。《峥嵘岁月》(又称《长征路上》)油画165x300cm1979中国国家博物馆藏林岗,厐壔 表现的是朱德三次过草地的情景,这是长征过草地最悲壮的一幕,此次过草地前既无牲口,亦无青稞干粮,其艰辛历程难以想像。除了在长征路上采访体验之外,画此幅历史画前,特意观看了人民艺术剧院演出的《万水千山》,演员阵容强大,但是看了之后感到过于夸张、简单化,表演太过份,我们力求避免这些弊病,当时画面有牺牲的战士、有遗骨,但通不过,只能盖上灰布还献上一束野花。皆属浪漫的构想,真实是更加的惨烈悲壮。《十里长街》(又称《万众心相随》)油画150x310cm1976中国国家博物馆藏林岗,葛鹏仁 创作于周恩来总理去世举国哀痛的氛围,既具有纪实性,但更是画家情感的抒发。画面中的每一个元素都是由感而发,而非戏剧性的刻意安排,浓郁的灰冷色调和宽幅画面中几组相拥而泣的人物强化了悲哀的氛围,延至远方的送别队伍则提示了人们对一代伟人的绵长怀念。透过这件作品,人们得以体味与画家本人感受相关的一种“在场的历史”书写,从而更深刻地理解作品的内涵。《东渡》油画135 x 200cm1976 - 1977私人收藏周总理青年时代赴日留学,曾作诗:“大江歌罢掉头东,邃密群科济世穷,面壁十年图破壁,难酬蹈海亦英雄。”在此诗启发下,构思《东渡》。《画家王式廓》油画82x78cm1978赠王式廓家属 画家王式廓是林岗的老师和好友,他所提倡的艺术创作要深入生活的理念深刻地影响了林岗的艺术。他们曾被委派共同创作《转战陕北》,但在采集资料的写生过程中王式廓却倒在了画架旁,为艺术和人民献出了生命。为了纪念王式廓,林岗创作了这幅肖像画。《女兵》(又称《路》)油画140 x 130cm1986北京美术家协会藏林岗1978年在草地走访过长征时因病未走出草地的红军女战士,她的一席回忆令人难忘,女兵这幅画是作者有感而发的。“女兵”表现的是生病的女战士在茫茫草地,被战友用力拖着往前走…。 ...More

Re-discussion on the Curatorial Structure of “Pioneering: Chinese Artists Abroad in France and Chinese Modern Art” Exhibition...

2019-03-07 195 people interested

When a country falls and its power declines, it is imperative to take reform. After the May Fourth New Culture Movement, the “tide of studying abroad”, as a way to transform China and make it strong, became one of the most characteristic phenomenon of Chinese art at the end of the 19th century and the beginning of the 20th century. Studying in Japan, France, and later the Soviet Union were three routes of studying abroad and became three holy lands for Chinese art moving towards modernity. If “studying in Japan” was the beginning of China’s entry into formal art education, then “studying in France” established the system and pattern of Chinese modern art development. The “Pioneering” exhibition traces the violent history of Chinese artists studying in France as well as its influence on the modern advancement of Chinese art. Retrospect is for looking into the future firmly. In the early 20th century, despite frequent wars, it was full of stories, and the development of the reform promoted the exchange and integration of ideas across regions and cultures. In the past two years, more and more early case studies have been conducted, but a large-scale academic review is still in short supply, so this grand exhibition is planned and organized under such a background. On the occasion of the continental celebration of CAFA, it mobilizes academic resources, as CAFA Art Museum calls up a curatorial team from multiple channels to construct this exhibition, inviting experts and scholars who have conducted an in-depth research on the field of “studying abroad in France”, including Dong Song, Philippe CINQUINI, Liu Libin, Jiang Mingyang, to participate in the curating work. After carefully checking historical materials and searching for missing pieces of works, the curatorial team sorted out the final appearance of the exhibition from interlaced clues. The topic of the exhibition involves multiple perspectives, such as the spread of Western modern art in China, the transformation of Chinese art to modernity, and the starting point of Chinese modern art education, and so on. With compact structure and grand scale the cultural phenomenon of “studying abroad in France” is deeply explored and presented in the exhibition.Oil painting comes from the West, and the establishment of its discourse subject is inseparable from the way of teaching and learning. At that time, France was the center of world art, China was in the climax of the tide of “Studying Abroad in France”, and Europe was also on the node of transition from classical tradition to various trends of modern art. When the first batch of Chinese artist studying in France returned to China, they displayed their talent to build schools, resume education, start publications, and hold exhibitions in devastation, and put the artistic concepts and techniques they learned in France into practice in the social soil of China. Their drastic speculation on modern art was like a ripple in the pool of China. How to comb through this complex history without having any prejudice? The curator Hong Mei mentions that when it comes to the transformation of Chinese art in the first half of the 20th century, whether they were pioneers of exploration who tended to modern appeals of Western classical academia school and Realism, or those forerunners who were on the road of modern appeal approaching various Western modernist schools, they jointly propelled the formation and development of the basic appearance of Chinese art in the 20th century. From this way of thinking, the exhibition set up an open space for showing them on the same stage. As the exhibition clues move forward, the diverse and rich artistic ideas of these artists of that time are presented in a broader framework, and finally back to the central theme.In the premise of following the above-mentioned curatorial ideas, the details of the exhibition are also made clear with more designs that fit in the whole picture. The presentation starts with the works of Wu Fading and Wang Rujiu who were among the first artists studying in France and ends with Liu Ziming, the last artist who studied in France in 1949. Xu Beihong was the first student to study in France at public expense, and many vital works created by him during his study in France are displayed at the beginning of the exhibition. Wu Guanzhong and Zhao Wuji went to France at the end of the whole trend, and directly opened the prelude of another era in their entire artistic creation. The well-planned layout of square shape, both objective and monolithic, not only give consideration to the personal appearance of the artists but also points to the deep reasons and driving forces for the formation of the phenomenon of studying in France. It concentratedly reproduces the scene of the mixed group of students studying in France who pursued Modernism, which touches the audience’s heart after watching the exhibition. In addition to the masterpieces of famous painters, the curator Hong Mei has done much hard work to select works and complete the list of exhibits in the process of sorting. The exhibition excavates and brings out the works of artists such as Xie Touba, Guo Yinglin, Wang Rujiu, Li Fengbai, Lei Guiyuan, Liu Ziming, and so on, which enables the works of many artists studying in France who have faded out of mainstream art history to be exposed to the public again. The scholar Dong Song traces the historical data of Guo Yinglin, an artist missing in the history circle for a long time, and makes the three Guo Yinglin’s paintings, which have been covered with dust in CAFA Art Museum for many years, be shown to the public for the first time, which attracts the attention of experts and scholars again, and also reflects the curatorial team’s respect for original history appearance as well as their self-consciousness for mining historical materials.Among the courses selected by many artists who studied in France, oil painting, sketch and sculpture were the main subjects. However, due to the small amount of existing historical materials and objects of early sculptures, the research on sculpture and modern sculpture has been quite difficult as it has been in a weak position. In this “Pioneering” exhibition, apart from the clues from canvas works, the sculpture section “Chinese Sculptors Who Studied in France: Chinese Artists Abroad in France and Chinese Modern Sculpture” that curated by Liu Libin is another highlight of the exhibition and forms a complementary perspective.This special exhibition uses three sections to review the main activities of sculptors who studied in France. From a large number of raw materials, images and works on display, it is surprising to find that their creation styles are quite distinct. During their time in France, their nude portraits showed the exact proportions of the human body, in line with the artistic aesthetic expression techniques, and many works even won the salon award. With the development need of Chinese monument sculpture and urban space, a large number of public sculpture projects have been promoted. In order to make sculpture survive in the realistic soil, these sculptors made more explorations, changes, and practices in the combination of Western sculpture and traditional Chinese sculpture.Due to these complex historical reasons, in order to highlight the academic value and practical significance of modern Chinese sculpture in the first half of the 20th century, curator Liu Libin led a shooting team to Chongqing, Chengdu, and other cities to search for the public sculpture that inspired people during the Anti-Japanese War. By using aerial photos and holographic projection, they try their best to bring the audience close to the context in which these sculptures were created, through showing original works, presenting graphics and texts, and restoring public sculptures with 3D reconstruction. Among them, Liu Kaiqu’s “Monument of Unknown Heroes” is presented vividly with the high-tech way of 3D images, which is an innovative way to attract viewers to have a more comprehensive and multi-level understanding of the pioneers of modern sculpture.The man who eats the fruit thinks of the tree, and the man who drinks the water thinks of the source. Tracking back to the cause of knowledge and context, the special exhibition “Chinese Artists Abroad in France and Their French Teachers”, combs through the influence of those French teachers on Chinese artists who had studied in France, and thus leads to a hidden clue that promoted the formation of Modernist ideas of Chinese artists – French teachers. Curator Philip CINQUINI has conducted a profound study on Xu Beihong as well as the learning process and teacher-student relationship of Chinese artists studying in France in the early of the 20th century. From this point of view, compared with the migration process of different technical elements moving from one civilization to another, it is more important that artists absorbed these elements from France and practice them in China. During the process, the connection built between Chinese artists and French artists had played a crucial role.In this special exhibition, the curator selected the works from four French artist of Academism of École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (ENSBA): Fernand Cormon, Paul Albert Besnard, Pascal DAGNAN-BOUVERET, and Francois Flameng; the artists who had associated with the modernist movement of the early 20th century; early Faurist painter Othon Friesz, and two French Cubist painters Andre Lhote and Jean Souverbie. They either taught or directly trained at independent colleges and had a direct impact on the thinking of Chinese students in the process of teaching them. The exhibition also presents the works of French teachers who had traveled to China or Asia to teach, such as André Maire, who had taught Dong Xiwen at the branch school of ENSBA in Hanoi, Vietnam. André Claudot used to teach at Beiping Art School in Beijing and then went to Hangzhou with Lin Fengmian.In this special section, all the details of Chinese artists taking Western painters as the reference gather together and eventually lead to the history of the direction selection and appearance formation of Chinese art transformation in the first half of the 20th century. It also brings about the profound issue about choosing artistic view in the past a hundred years of exploration.In 1917, Cai Yuanpei, Li Shizeng and other artists established the Sino-French Education Association and a Work-Study program in Beijing. For that, a large number of art students gained the opportunity to study in France under a study-work basis. There were more than one hundred art students studying in France, and in addition to ENSBA, many students spent their time in private studios, becoming the largest number of international students at that time. In an era of great changes, the pioneering students studied with determination and perseverance, endured the loneliness of being in a foreign country, and pursued true knowledge of art while feeling the free air of art in France at that time, and then continuously prompted the emergence of different associations. The well-known ones include “Hopps Association”, “The Association of Chinese Artists in France”, “Chinese Art Society in France”, and so on. On April 2, 1933, The Association of Chinese Artists in France was founded at Chang Shuhong’s residence in Paris, France. Chang Shuhong expressed in the article “The Establishment of The Association of Chinese Artists in France” (published in the special issue for the Association of Chinese Artists in France, No.8, Volume 2, Yifeng magazine) that, “we feel deeply comforted in spirit by the freedom to comment on the state of the art world and art problems, yet in order to consolidate our foundation and develop our external cause, it seems that we need an appropriate organization.” By April 1934, the Association of Chinese Artists in France had held 16 meetings in one year (according to Li Han’s preliminary study on the artists’ group of the Association of Chinese Artists in France in 1930s). It went through several different historical periods and continued to play a role until around 1950. In 1984, the last president of the association, Mr. Pan Yuliang, returned to China with relevant materials, which enabled the data of the association activities after 1934 to be able to enter the research field, and scholar Dong Song made an in-depth study on it. Dong Song and Jiang Mingyang jointly curated the special exhibition of “A Village in a Foreign Land: Association of Chinese Artists Abroad in France”, and based on the analysis of the three historical development stages of the association to present relevant materials to the audience completely for the first time. Within the exhibition, there is a member list of the association, which involves more than 110 artists from the first session to the reelection of it in 1945, and includes information collected about them: portrait, birth and death year, birthplace, subject, and the period of their stay in France. It is a collection and presentation of precious academic historical materials. However, over the turbulent years, it has been difficult to verify the birth and death years of some artists and find their photo materials. Without the carrying out of these research works, they would disappear into the long history.To some extent, this special exhibition serves as documentary support for the main exhibition. Through essays, letters, manuscripts, photos of activities, original works that created for fundraising the Anti-Japanese War, and other valuable objects and documents, intertwined organically with visual works of other exhibition areas, the viewers can read the artists’ minds, perceive their context, and then dig out a lot of dramatic stories behind them. As a warm place and spiritual home for those living and studying in France, the association had carried their ideals and persistence, their meetings and partings, providing a silhouette to see the ups and downs of the trend of “Studying Abroad in France”. ...More

Reading “Pioneering” Exhibition: Collective Achievements and Individual Characteristics...

2019-01-26 422 people interested

At the beginning of 2019, the anticipated grand exhibition “Pioneering: Chinese Artists Abroad in France and Chinese Modern Art” is unveiled at CAFA Art Museum. It is an exhibition of historical significance, and for the first time, the visitors can have a look at these artists as a group through their original works. The first impression of the exhibition is that the works are diverse. When you really see this exhibition, you will find that it presents a show with multiple interpretation spaces. ...More
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